“经费有限”，极限说唱：对话《说唱新世代》幕后团队

原创 刺猬公社编辑部 刺猬公社

还原生活真实的颗粒感

作者 | 佳璇

编辑 | 杨晶

当金汀带领的舞台团队，终于把选手们用来 battle的原创音乐全部收齐，舞美与灯光也交了台，此时距离《说唱新世代》第一期节目开始录制，还有两天时间。

这档节目里有40位说唱选手。根据节目赛制安排，这些选手将在第一期录制中完成分组，并进行说唱接力比赛。导师们从每组中选出表现较为出色的3位选手，进入下一轮的battle环节。

两天时间，完成40位选手各有特色的舞台设计及制作执行，这是不可能完成的任务。在说唱接力比赛结束的那一分钟之前，幕后团队根本无法预测，到底会是这40位选手中的哪12位，进入下一轮battle。

40位选手开始准备说唱接力

导演组告诉舞台总监金汀，正式battle开始前，只能留给他们团队、秀导与灯光老师们三个小时，为12位选手打造舞台效果。即便是在电视节目制作领域，拥有二十多年实践经验的她，也没有经历过这么紧张的局面。

这种极限操作，不仅打破了金汀团队的历史纪录，也是《说唱新世代》“极限说唱”的一个侧面。

极限场景之下，是节目组人为建立的世界观，以及选手们被激发出的真实反应。幕后的制作团队，协助选手们共同完成了说唱的新体验，还原了生活真实的颗粒感。

每个舞台，都是一场“团战”

当被问起在节目组的工作日常时，金汀笑着对刺猬公社（ID:ciweigongshe）“吐槽”：“来这个节目之前，我是一个晚上11点就睡觉的人。到了节目组以后，就开始了我的‘修仙’之旅。”

这不是导演组对金汀的强制要求。事实上，在带团队的这么多年里，金汀已经无需日日守在一个项目上。但这一次，她却在《说唱新世代》的录制地无锡，一待就是三个月。

金汀留在录制地，是因为她感受到“节目越搞越好玩儿”。在这个项目中工作，让她找到了进行舞台设计时那种十分纯粹的激情和成就感。

金汀的舞台团队与郭震的秀导团队

在团队内部，金汀手下的导演们在进组前，就提前对说唱音乐做了充分的准备。导演们不仅要了解说唱音乐，还要熟悉整个嘻哈文化的历史：从上个世纪七十年代的美国社会，到近几年各个国家的嘻哈表达差异。如果没有实打实做功课，节目制作时就会出现文化断层。

而进组后，金汀的团队第一要拿到音乐，第二要解读音乐，第三要跟舞台各工口老师（秀导、灯光、视觉、道具、特效、导摄等）沟通表演形式、调度人物位置。他们要与涉及舞台范畴的各位老师一起开会，沟通歌曲的色系和氛围，确定舞台基调，再与灯光师模拟配合。

“每一个舞台的光，都是我们和灯光师一起做出来的。其中最复杂的一首作品，音乐跟灯光配合的设计点多达28个。灯光老师提供了足够的空间，跟我们一起设计、一起商量着做。”

一首歌里最关键的配合点，她们也一定会与导播沟通。“比如圣代的《雨夜惊魂》，我们对总导播李庆文老师说，最后一定不要给全景，就是要给到他面部的特写和细节。观众看到了圣代最后的诡异一笑，才能明白这首作品最后的反转。”

圣代《雨夜惊魂》舞台表演

对金汀而言，最有成就感的瞬间，不是看到“给灯光/舞美/视觉/舞蹈加鸡腿”的弹幕，而是“打好团战”。

“你打游戏吗？我们做节目，就像打游戏，需要的就是群体作战。选手就是负责输出的ADC，其他所有舞台的各个工口，就是打辅助，要做兜底保护，不能抢人家的人头。”金汀说，“打团战时才是最爽的。”

舞台上，永远是人最重要

视觉总监唐焱称赞金汀对于音乐和舞台的感受力，与金汀多年的朋友关系，让他们二人对声光电的配合，形成了高度的默契，十分合拍。“金汀就像是一个不会画图的我。”唐焱说。

然而，唐焱担当着幕后团队里那个“泼冷水”的角色。

“我一直在压制着他们这种过度的发挥。”唐焱说，“第一期节目，他们就针对每一首歌做了非常多的设计，我就拼命地做减法，强制他们简化。”

这种压制源于唐焱的理念：舞台上，永远是人最重要。

唐焱幕后团队的创作原则，是“如何费尽心思地做到你看起来好像没干活”，要让一切都感觉像阳光、空气，它就是应该在这，但又感觉不到它的存在。不让一点点东西过分，才是恰恰好。一旦别人都只注意到灯光舞美好看，说明幕后创作“吃掉”了选手和作品。

为了最大程度“保人”，唐焱严格规定了舞美团队的工作框架。灯光不要玩太多花样，屏幕不要玩素材，只能出歌词、弹幕。既然是打辅助，就只能出辅助装备，所有高光镜头，都要留给ADC选手。

而对舞台效果的克制，相对而言，也给了音响总监张小年更多的空间。节目录制后，张小年曾发朋友圈表示：《说唱新世代》对音响设计非常尊重。过去，有不少音乐节目因为考虑到美观问题，不希望音响设备出现在画面里，导致音响不会被安排在最佳位置，一定程度上影响了导师、选手和观众的听觉体验。

工作中的张小年

但唐焱曾说过一句话：一个音乐类的节目舞台上看不到音箱，它一定不是一个专业的舞台。

张小年非常认同。在他看来，一个音乐节目，声音一定是第一位。声音好了，才能给选手、导师、观众提供听觉上的刺激，才能有好的反馈，包括表情和肢体。而他的工作，就是要用最佳的音响设置，让选手觉得自己唱得真好听。无论客观环境有多糟糕，都要给台上演出的人以最大的自信，帮助选手完成好作品。同时，这个节目中有不少选手都是素人，有的完全没有舞台经验，如何用声音引导他们卸下负担，享受舞台，音响团队为此付出了许多努力。

当整个节目组达成了“人最重要”的共识，环境、声音、视觉之间也达成了一种奇妙的平衡。

在一次聊天中，金汀与张小年交流了几个声音方面上的困惑。她感受到，其实他们在做同样的事：帮助选手享受舞台，创造最好的表演体验。

“我确实感受到了，他有必须要做的事，他也的确做到了。”金汀说，“我们是一样的道理。他做声音方面的声场，我们做舞台方面的氛围场。我们也是要让选手感觉到，在台上我就是天王巨星，我特别厉害，特别享受这个舞台的方方面面。每一个角落，每一个镜头都希望能做到这一点。”

还原真实的颗粒感

在节目录制前，唐焱团队看了很多录制场地，包括无锡影视基地一些尚未开放的办公区演播厅，但看到厂房废墟的那一刻，他被击中了。

“真的很破。最开始根本没法看，就是一个完全废弃的厂房，需要大量的人力物力才能够改造成录制基地，所以大家也有很多顾虑。但我依然坚持选择它，我感觉到，这里能为节目带来新的东西。”唐焱说。

废弃厂房改造后的说唱基地

在节目组，唐焱与总导演严敏的沟通不算特别多。他们合作多年，默契到很多事情甚至无须沟通。唐焱需要做的就是，把导演组提出的概念落地，通过具有象征性的视觉表达，保证“万物皆可说唱”这个核心主旨的传递。而从他坚持选择废弃工厂的那时起，这个节目呈现出的主题和调性，已经与过去市场上的音乐类节目有明显差异。

左：唐焱；右：严敏

这里与演播厅最大的区别是：演播厅里的场景是虚构的，但废弃工厂是真实的，它天然连接着户外。放眼望去，你能看见最原生态的烟囱、厂房、废墟，有透气的部分。而这种透气，会让选手们产生与封闭在演播厅里不一样的一种质感。

唐焱从业二十年，负责过太多选秀节目的视觉设计，但他也一直在反思一个问题：有的时候，我们的舞台是不是过于豪华过于亮丽了？这种过度华丽，是否给素人选手制造了太大压力，乃至影响到音乐表达？

废弃工厂有另外一种气质，不同于那种极致的精美。这就像拍电影，有时为了追求更加真实的质感，会把电影拍得不是那么精美，创造一种颗粒感。舞台更远了一些，现实更近了一点。

这也符合《说唱新世代》选手们的音乐创作。他们并非追求形式上的完美，而是从自己的真实生活和感受中挖掘灵感。唐焱要让他们回归到一个更加生活化的场景里，使创作和表演实现一体化，传达出“万物皆可说唱”的底色。

在舞台场地的设计上，唐焱也营造出了一种透气感。唐焱以自由搏击比赛中的“八角笼”为原型，设计了选手们的battle舞台。他想让舞台有一种战斗氛围，但不要那么血腥暴力。于是他舍弃了八角笼中的铁丝网，换成了激光束，用声光电营造一种似有似无的封闭效果，但它始终是透气的。

“八角笼”舞台

随着节目录制进入终段，选手们将从八角笼一步步走向更华丽的舞台，循序渐进地成长，也是真实生活的另一种写照。

汽油队《We We》

制作B站的节目，幕后团队可以获得最直接的观众反馈：用户弹幕。

曾与B站合作录制跨年晚会的总导播李庆文，在这次录制《说唱新世代》时，为团队分享了自己回看节目的方法：用不同的强度看弹幕。

先关闭弹幕，画面干干净净地看一遍，好好重新审看一下整个画面效果；再开半屏弹幕看一遍，了解大家有些什么样的反馈；再有时间就开全屏弹幕，全情投入地感受观众对每秒发生的事情最及时的反应。

在他看来，弹幕是B站最大的特点之一。

总导播李庆文

李庆文印象最深刻的画面，是在刷弹幕时看到的。在选手“杀不死Subs”的表演中，他最后一个舞台镜头是：Subs坐在地上。弹幕围绕着Subs，大家都在发“万物皆可说唱”，而Subs身上发着金光。

杀不死Subs舞台丨李庆文供图

李庆文立刻截了一张图。他意识到，可能只有在B站，他才看得到这种画面。作为导播，他的镜头语言和用户弹幕之间，形成了一种组合效果，诞生了一种新的化学反应。弹幕在创造新的内容，也成了节目画面的一部分，这让他感到震撼。

万物皆可说唱。

正是通过这些弹幕，《说唱新世代》的幕后团队能够明白，的确有些东西在发生变化。这是所有参与者共同努力得来的，最好的成果。

END

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原标题：《“经费有限”，极限说唱丨对话《说唱新世代》幕后团队》

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