音乐剧《玛蒂尔达》燃爆上海，幕后还有这么多有趣的小故事

“除了我，谁也不能改写我的故事。”这两天，上海的孩子和家长都被一个年仅5岁的英国小姑娘玛蒂尔达征服了。

音乐剧《玛蒂尔达》取材于英国国宝级作家罗尔德·达尔的同名原著，2010年由英国皇家莎士比亚剧团出品后，点燃了伦敦西区，拿奖拿到手软。

2019年，中国音乐剧制作公司——七幕人生将它引进中国，在13个城市展开巡演。目前，《玛蒂尔达》正在上汽·上海文化广场热演，有人将它评为“年度最佳”，有人准备二刷三刷，还有家长“喜极而泣”，惊呼走出剧场后，“我的孩子终于主动拿起了书本。”

《玛蒂尔达》为什么有那么大的魅力？七幕人生品牌市场总监袁齐，以及巡演版驻团导演娜塔莉·吉洛姆，向澎湃新闻记者讲述了幕后的一些小故事。

七幕人生品牌市场总监袁齐：

达尔对世界儿童文学的发展有着巨大影响，他的作品被翻译成36种文字在世界各地出版，很多作品也被改编成影视作品，不乏诸如《查理和巧克力工厂》《圆梦巨人》《了不起的狐狸爸爸》这样家喻户晓的影视经典。

中国观众最熟悉的英国儿童作家是J.K.罗琳，达尔比罗琳早一个时代，很多英国人是看着他的书长大的，堪称“国民作家”。

达尔的故事里总有孩子，却拥有庞大的成年读者群。他的作品往往带着成人的暗黑的色彩，他笔下的童年也并不是完美的童话世界，也会有曲折坎坷，有邪恶和正义的对抗，有困境里痛苦的挣扎，甚至他创造的人物会有或暗黑或魔幻的气质。

在达尔的世界观里，成长，往往是伴随着挣脱与自我救赎的一场场战斗，还未长大的读者，在那里看到了人生更丰满、更复杂的真相，而已经长大的读者，则能看到自己一路走来的蜕变和感悟。

《玛蒂尔达》是达尔晚期的作品，去世前三年完成。故事里的玛蒂尔达是一个天才，父母庸俗浅薄、重男轻女，一直在冷暴力的环境里长大，但她运用自己的智慧、天才和超能力，改变了自己和身边人的命运，结局很励志、很正能量。

玛蒂尔达是最能代表达尔创作观的女主角形象。几十年来，这一形象强悍地影响了英语文学对女孩的塑造，《黄金罗盘》里的莱拉、《雷蒙·斯尼奇历险记》里的维奥莱特、《哈利·波特》里的赫敏，都是玛蒂尔达的继承者。

但在达尔最初的创作里，玛蒂尔达是个天生的坏坯，父母才是好人，最后她用自己的超能力拯救了公交车上的小朋友，并且差点为此丢性命。这个故事被编辑放弃了，因为在市面上行不通，达尔又重新创作了一个相反的人物，如果达尔还活着，看过中国的《哪吒》，他会发现那个设定也很有市场。

几经波折，这个故事1988年正式出版，英国皇家莎士比亚剧团慧眼识金，找到伦敦西区著名的音乐剧导演马修·沃休斯，把它孵化成了音乐剧。

英国皇家莎士比亚剧团是英国规模最大、资金最雄厚、出品质量最高的剧团，它出品的剧目以严肃戏剧为主，偶尔也会孵化音乐剧，比如《悲惨世界》和《玛蒂尔达》，前者就像音乐剧皇冠上的明珠，后者也很成功，但问世时间很短，国外音乐剧是运营时间越长，声名越赫。

找到导演后，谁来作词、作曲呢？达尔的作品天马行空，充满了惊人的想象力，怎么在舞台上呈现，特别是用音乐来表现？音乐剧创作自有它的套路，怎么才能反常规、反传统？

导演到处找到处看，最后在一个脱口秀表演现场找到了，他就是词曲作者丁门庆（Tim Minchin）。用中国人的话说，这是一个斜杠青年，是一个很多身份的鬼才。他是音乐剧演员，也是脱口秀演员，他的脱口秀是一边弹钢琴一边唱歌一边吐槽，吐槽非常犀利，头发还乱糟糟的。看了他的脱口秀表演，导演觉得他很适合写《玛蒂尔达》，双方一拍即合。

其实幕后还有一个小故事。丁门庆二十出头还是毛头小子时，给达尔写过信要授权，说我喜欢《玛蒂尔达》想把它改成音乐剧，达尔说好啊，你写过什么剧发给我看看。丁门庆的简历一片空白，他还不识谱，因为他并不是科班出身的音乐家，铩羽而归。没想到，过了几十年，他被英国皇家莎士比亚剧团找到了，天才与天才之间碰撞出这样一部充满想象力的奇幻音乐剧。

丁门庆的天才是如何在音乐剧里体现的？

他非常擅长使用语言的韵律去创造一种动感，他的歌词押韵很厉害，不仅能跟乐曲配合，也确保了他要表达的重点意思都在重音上。而且，他非常善于“玩弄”英文，比如大家都称道的《School Song》，他把26个英文字母串在一句句歌词里，从A-Z，从头唱到尾，每个字母的重音都恰好在那个乐句的重音上，你看了会有一种鸡皮疙瘩都立起来的震撼。关键是，它的意思又是完全顺畅的，表达了一群备受宠爱的小公主、小王子去到学校，要接受校长霸权统治的恐惧心理。

这样棒的英文创作怎么用中文来表现呢？我们请到了程何做字幕翻译，她是中国最优秀的译配之一。中文字幕也成了一大看点，比如《School Song》，她把中文字里的拼音和26个字母做了非常巧妙的融合，而且完全吻合要表达的意思。

再比如，剧末俄罗斯黑社会收拾玛蒂尔达的爸爸，当小弟们问要不要揍他时，黑社会老大刚好在喊玛蒂尔达（Matilda），我们入乡随俗，干脆让小弟们把“da”误听成“打”，真要去打她爸爸。观众笑到跌倒，把这一处当成了语义双关，其实，俄语里的da也有动手、打的意思，这是一个非常神奇的跨越了三种语言的巧合。

另外，俄罗斯黑社会出场时讲的俄语台词，我们也是故意不翻译的，因为这个时候，观众和玛蒂尔达一家人的视角相同，大家都听不懂、震惊、懵——这是戏的一部分，他们说什么不重要，关键是他们在说俄语。

这部剧在视觉上也很震撼。色彩斑澜的舞美设计，几乎包揽了行业内所有的舞台设计类奖项，因为它突破了舞台设计的惯例。

其中最值得关注的，是铺满整个舞台的字母方块。设计师最初使用了桌椅、板凳、黑板等大量学校的元素，结果非常平庸，这个故事的精髓是玛蒂尔达通过讲故事来改变自己的人生，故事就是语言，故事就是文字，于是，他才有了这样一个创意——木头块，很像孩子们玩的拼字游戏，也很符合女主角是5岁小孩的设计。

设计师将木头块拼贴，并在上面写上字母，布置成舞台最主要的视觉场景。字母里还藏着巧思，它们可以拼出44个单词，串联起剧情主线，剧中的重要人物、重要情节都埋在单词里，所以很多狂热粉丝会反复去看，每次都希望从字母里拼出一些线索。

这样的细节到处都是，用中国人的话说是“可以但没必要”，因为观众并不一定能注意到。

比如孩子们穿的校服是英式制服，全是手工制作，料子非常好。再比如校服上的校徽，专门找了原著的插画家设计，校徽的logo是一个锤子，锤子的英文是hammer，校长曾是链球运动员，链球的英文也是hammer。校徽代表了校长的印记，也象征了他在学校里的高压管制。

还有，玛蒂尔达在图书馆里借的书都是纯白色的，Honey老师是唯一一个帮助她的大人，后来送了一摞书给她，这一摞书是彩色的，代表了她们给彼此的人生带来了色彩。这些书只在台上出现了两秒，就被校长扔掉了。无论是大的视觉冲击力，还是小细节里的小心思，台上的设计都做到了极致。

最后是关于内容。很多人看到故事简介，第一反应是儿童剧，其实它远远超出了儿童剧的范畴，蕴含了很多深刻的社会寓意。

在台下，孩子和成人观众的反应是截然不同的。孩子们看得乐不可支，看到的是一个充满魔幻色彩的故事，但大人看得潸然泪下，因为他们在玛蒂尔达的故事里投射了很多个人的情感经历，比如成长的痛苦、原生家庭造成的心理创伤，女性主义者甚至看到了女权的色彩，一个女生应该如何挣脱环境和命运对她的束缚？靠知识、靠阅读、靠独立。

海报也值得一提。海报设计是一个小女孩叉着腰，这也是女主角在台上的最后一个pose。这个姿势还有一个专属名词——wonder woman pose，是神奇女侠的姿势。有美国社会学家分析，当你摆出这个姿势，你能给自己心理暗示，会变得更有力量，更自信。

这个姿势就像玛蒂尔达反复唱的那句歌词，“除了我，谁也不能改写我的故事”，代表一个人通过阅读、自信、勇气，最终改变了个人命运。演出结束后，大家都很乐意去模仿这个姿势拍照。

巡演版驻团导演娜塔莉·吉洛姆：

演玛蒂尔达的小女孩有3个，2个来自南非，1个来自新加坡。这个巡演版是从南非开始的，我们在南非停留了很长时间，彩排、合成、演出，所以在当地海选了2个。巡演到新加坡，我们又找到了1个。能把她们选出来也是奇迹，她们会唱歌，会跳舞，还会讲故事，本身就有鲜明的玛蒂尔达的特性。

我们在选小演员时不会看地域，而是会从小演员本身出发，看谁更适合。在中国巡演，也有可能诞生一个中国版的玛蒂尔达，一定会让人惊艳。

正式上台前，她们会进行6-10周的训练。首先会训练发音，这个角色有专门设计的发音，比如重音，而孩子们平时不会这样说话，接下来会训练唱歌跳舞，一层一层叠加上去。

这些孩子最打动我的是她们的领导力，她们要领导整台演出顺利进行，还要把成人演员的表演串联进来。剧中有一首《Quiet》，伴奏音乐沉寂，只有玛蒂尔达一个人的声音，我们能清晰地感受到小姑娘的能量有多大。

我们整个团队有77人，包括台前演员和幕后人员。其中，孩子有7个——3个玛蒂尔达、2个布鲁斯、2个艾瑞克，他们不是专职演员，巡演时，每个孩子至少有1位监护人陪在身边，演出时，我们还会有专门的演出陪护。演出之余，我们会有2位随团助教给他们上课，课程内容会和他们当地的学校同步。教育很重要，不能因为演出，让他们缺失本应接受到的教育。

校长也是剧中相当出彩的一个角色，为什么要找男人来演？这部剧是从玛蒂尔达的孩子视角出发去看世界，比如校门很高，堆满了字母方块，父母穿得花枝招展五颜六色。她眼中的校长强壮、高大、让人害怕，还曾经是链球运动员，出于这样的考虑，我们选了男性来演，其中一位有1.95米，更能符合这个角色的夸张形象。

《玛蒂尔达》的确是一部以小女孩为主角的音乐剧，但这部剧最奇妙之处就在于：孩子和成年人都能从不同的角度去欣赏，它从孩子的视角出发，告诉了大人很多道理，给了大人很多启发。

比如，《When I grow up》这首歌是在秋千上演绎的，为什么是在秋千上？我们希望通过荡起来的这个动作，来表达我们小时候是多么向往自由。小时候，我们以为长大了可以每天吃糖、每天看电视，长大后，我们并不像想象得那样自由自在、无拘无束、为所欲为。但我们还是要记得，我们曾经有过这样美好的幻想。成年人长大之后，会忘记一些孩子身上才会有的特质，这也是这部戏想要给成年人的提示。