眼见不为实，聊聊杰夫·沃尔兼谈摄影与纪实的关系

原创：刘星怡

蚂 | 蚁 | 摄 | 影 |

批评若不自由 赞美则毫无意义

杰夫·沃尔，加拿大艺术家，擅长通过导演摆布画面，精心刻画当代西方社会生活的各个侧面。他运用最先进的数码图像合成技术，又从世界名画中汲取灵感，包括构图、题材等，制作出一系列带有浓厚广告作品色彩的巨幅灯箱作品。

他以精心构造的人工现实、源于生活却又经过高度提炼的虚构情节来呈现社会现实，由此引发对摄影本质的思考，摄影的真实性、摄影与绘画的界限、艺术品位高低之间的界限等多方面的问题。

2012年佳士得拍卖行的一场当代艺术作品拍卖会上，杰夫·沃尔摄于1992年的《Dead Troops Talk》（将死士兵的对话）以360万美元价格成交。这是世界摄影作品中最高的成交价之一（目前排名第4）。

60年代杰夫·沃尔就已经在艺术舞台上崭露头角，上世纪70年代末，他开始使用大型的灯箱进行摄影艺术创作。其中最为大家熟知的，恐怕就是下面这幅作品-《mimic》（模仿者）。

在小屏幕上可能很难看清细节，同时作为中国的观众似乎很难理解其文化背景，所以在这里稍微解释一下。

首先这幅作品里三人的肢体语言，看似在行走的三个人，白人情侣的肢体语言形成了微妙的拉远，而亚裔男子与白人之间又有微妙的互动，尽管没用任何证据表明他们之间认识，但是亚裔男子的眼神，与白人男子用中指戳弄眼皮时似有若无的嘲弄神情，形成了非常有趣的互动，让人不禁猜测或感觉，两人之间暗潮涌动。而右边白人女性向后拉动的肢体牵扯，又与两位男子形成了另外一个层面的互动。

作为一张抓拍的照片，微妙的反应了当时社会中普通民众关于文化融合的各类态度，暗暗呼应了70年代美国精神文化解放的思潮。亚裔男子与白人男子，似乎可以看做是新旧文化思潮之间的互动等等之类的象征。以及包括当时美国白人至上主义的抬头等等，就不多说了。

但是最有趣的点其实不在这里，杰夫·沃尔只是抓住了当下的一个文化热点，然后进行了自己的再创作。如果杰夫·沃尔只是抓拍了这样一张照片，他充其量只是一个很好的城市街头摄影师罢了。

这张照片的深层含义在于，它其实是一张摆拍的照片，是摄影师精心设计之后，刻意的营造出抓怕的氛围而摆拍的照片。

我想这时候，会有很多人嗤之以鼻的说，这不是作假么？

没错，杰夫·沃尔所要挑战的第一个摄影的天然功能，就是纪实的天然性。（请别忘记在评价杰夫·沃尔的时候，要记住这是一张上世纪70年代末创作的作品。）

布列松以来，摄影一直都以其天然的纪实属性--所见即所得--为人所热捧，但是杰夫·沃尔开拓了另外一个层面的问话，也就是摄影是否真的所得即所见呢？摄影师能不能通过自己的制作，糊弄观众的眼睛，让你以为此事真的曾经发生过？明确的说，你以为自己看见的照片就是真实，但是你看见的只是摄影师想让你看见的真实罢了。

而杰夫·沃尔所做的事情，就是让你看见一个他所营造出来的虚假的真实，让你的眼睛与大脑接受他的“愚弄”。

再聊聊杰夫·沃尔的另外一幅作品，《A Sudden Gust of Wind》（疾风）。这幅作品的创意来源采取了日本浮世绘大师葛世北斋的《富士山三十六景》的构图。只不过画面中的日本农夫被上班族们取代，环境也发生了改变等等。

同样，这张照片也是杰夫·沃尔精心设计并拍摄的，如果你理解了上一张图中，杰夫·沃尔创作的精髓所在，那么这张图也不难理解。按照杰夫·沃尔自己的表达，他选用这张图片作为向葛世北斋这位大师致敬，另外他还想将这种绘画带来的唯美进行空间上的转换，利用现实来再现绘画场景。

传统意义上的绘画，是对现实的提炼再创作，而通过摄影，又将绘画中的场景回归现实。如果说艺术家只是单纯的模仿绘画，那么作为上个世纪就开始挑战摄影叙事语言之一的人，杰夫·沃尔则力图想让世人明白，摄影其实也可以虚构现实，影像画面的来源并不一定真的发生过。

最后我想提醒一下，评价所有的艺术家的作品，一定要记得把他放置到当时的时代环境中去评判，这张作品现在看来也许以及无法跻身更高级的艺术殿堂，但是在当时，还是十分有分量的作品。尤其是再配上杰夫·沃尔惯用的大型灯箱，画面的细节一切展露无疑，所有的暗涌互动、微妙联系、肢体表情，都为他的作品增色不少。只是很遗憾，国内一直无缘看见原作。

借此我也想发发感想，其实从摄影的早期时代开始，就有很多艺术家开始挑战摄影的真实性，借助虚拟真实空间或者干脆做的荒谬绝伦，以提醒观众，所见非所得。

从杰夫·沃尔之后，越来越多的摄影师意识到，摄影不仅仅是摄影，也再不是比那咔嚓一下子的功夫，转而开始进入到了一个用脑子思考指挥手脚的过程，你可以控制你的相机摄取的画面，就控制了画面前观众的感受。

什么时候摄影师能够逾越这条鸿沟，能够不被外界景物吸引与控制，转而开始控制画面，才是真正的掌握了摄影的叙事方法，才有了将摄影，上升到了艺术创作这样的可能性。

说的再直白一点，如果死抱着摄影的天然纪实性，受制于现实发生的场景，摄影师是永远不可能摆脱“技术工”这样的称呼的。你所做的无非是将现实进行复制，而且复制的比较美罢了。摄影术的发明，让绘画摆脱了写实需求的禁锢，彻底释放了绘画对于现实的模拟再复制的必要需求，转而让绘画创作者们可以随心拓展颜料，工具等等一系列传统法则，开拓出了我们现在所看到的当代绘画。而摄影师们却依然泥潭深陷无法摆脱，似乎不反应现实，便无事可做。

另外扯点别的，随着科技发展到了2014年，种种新兴技术进一步发明产生，我们去看IMAX都被深深震撼，看见变形金刚与人互动也不觉得别扭。却偏偏总是有人跑来和我争论有了数码技术的摄影就不再是摄影，合成的画面不是摄影之类的，这不是很可笑吗？

摄影只是一门技术的基础，而艺术是无界限的。技术的革新也只会带来影像的多种可能性以及艺术语言的拓展。如果还死抱着画面不准动的想法，那么只能说明要么你技术有限做不了后期的事情，要么你根本也没见过早期暗房里人们又做过什么（确实以前的暗房还是比较神秘的）。不过这又是另外一个话题了，改日再聊吧。

END

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