十二艺节｜检阅中国文艺创作，“文华大奖”花落谁家今晚揭晓

中国艺术节历来是对中国文艺界创作的一次大检阅。

5月15日开始，来自全国各地的51台剧目齐聚第十二届中国艺术节，在上海19个剧场演出了102场，这些剧目囊括了戏剧、戏曲、歌剧、舞剧等，其中38台在激烈角逐“文华大奖”。

6月2日晚，第十二届中国艺术节将在上海大剧院落下大幕，10个“文华大奖”花落谁家，即将揭晓。

艺术节期间，不少评论家、艺术家、创作者从四面八方赶来上海观摩，他们普遍观察到，现实主义题材和革命历史题材作品占据了绝对多数，撑起了新时代文艺创作的脊梁，而只要兼具了思想性、艺术性、观赏性，思想精深、艺术精湛、制作精良，就一定能牢牢抓住观众的眼球，赢得观众的认可。

革命题材越来越接地气

艺术节期间，上海市戏剧家协会副主席刘文国连着看了24部戏，印象最深的是，中国的艺术创作者们不忘初心、牢记使命，创作了许多以人民为中心，讴歌党讴歌人民讴歌英雄的作品。

在他看来，不少剧目展现了英雄人物普通人的一面，革命题材的作品越来越接地气，越来越深入人心，和观众的距离越来越近。

“比如上海文广演艺集团旗下上海歌舞团《永不消逝的电波》、中国国家京剧院《红军故事》、中国国家话剧院《谷文昌》、上海沪剧院《敦煌女儿》，没有‘高大上’，都是从小处着眼，通过讲故事展现英雄人物普通人的一面。这些人物的个性都很鲜明，面目非常清晰，最关键是把人物的情感写出来了，而情感是最能打动观众的。”

二来，很多剧目在叙事技法和高科技手段的运用上实现了创新，解除了观众的审美疲劳；三来，很多剧目都在讲本地的故事，融入了本地的文化元素，带有新鲜的地域色彩和生活气息。

“我们以前老觉得革命题材的作品没有市场，但只要你做的好，观众是会买单的，而中国人民自己的故事是最感人的。”

看戏时，刘文国常常为英雄们的故事热泪盈眶，据他观察，和他一样感动的观众不在少数，而青年观众比他想象中多得多，“《永不消逝的电波》就吸引了很多青年观众，年轻人在这部戏里看到了上海的文化，听到了上海的声音，找到了熟悉的上海记忆，真正感受到了红色文化的感染力。这样的爱国教育我们愿意天天接受。”

戏曲创作在唱腔上突破

艺术节期间，上海市文艺评论家协会副主席胡晓军同样感受到了满满的正能量。据他观察，各地来参演参评的剧目几乎都用上了最好的资源，包括最好的艺术家，可以看得出在艺术上是非常精心的。

“很多戏曲作品在唱腔表演上都在努力突破，比如河南豫剧院《重渡沟》的唱腔，每个段落都不一样，还采用了二道幕和多媒体的布景，新疆生产建设兵团豫剧团《戈壁母亲》的唱腔也花了心思。”

艺术创作的百花齐放让人欣慰，不过他也观察到，有些戏剧戏曲类作品的创作还是相对传统，题材和思路的雷同也比较明显，比如，好几个作品里都有主人公不约而同先公后私，然后再想办法去安慰妻子的内容。

胡晓军认为，这些作品在剧本的文学性上可以再多花些心思，多加雕琢，“我们不能唯票房论、唯市场论，也不能不考虑观众的接受度。现在有些作品想在舞台上塑造一个榜样的形象，但人物和故事明显单薄了。如果文艺作品不在思想性和艺术性上多加考量，效果也是不行的。”

舞剧创作在低谷后回升

艺术节期间，文艺评论家方家骏印象最深的是，不管是戏剧、戏曲还是舞剧，大部分作品里，演员的表演非常出色，有些地方戏的演员甚至“全能”，“比如豫剧《重渡沟》的主演贾文龙，无论唱念做打还是塑造人物，都是能力非常强大的。”

同样，他也认为，舞剧类作品的题材相对多样化，而戏剧戏曲类存在雷同化的问题，但即使是同一个题材，不同作品也有高低之分，能看出艺术家提取素材并且艺术加工的技巧和能力。

“比如辽宁人民艺术剧院的《干字碑》，它没有直接写村干部怎么带领大家脱贫，但依然能从中看到村庄由贫致富的巨大变化。它写人物，但不拘泥于一个事件。剧里着重刻画了人物性格，写了新旧观念的冲突，包括主人公和儿子的冲突、和老村长的冲突，还有县长对他又爱又恨的感情。这是非常真实的、非常成功的人物塑造。”

另外，“《干字碑》的节奏非常紧凑，语言节奏和表演节奏都非常讲究，所以观众不觉得枯燥。而有些作品说不出什么道理，观众看着就是不来劲，这里面还是有艺术规律在的。”

本届艺术节，现实主义题材和革命历史题材比较多，在方家骏看来，任何题材都可以搞好，“关键是看你怎么搞，这取决于艺术家的能力——用现代审美也好，用传统文化本身的积淀也好，包括你对素材的应用和把握，对舞台的处理。”

他同样举了《永不消逝的电波》为例，一开始很多人不看好这个题材，尤其是用舞剧来做，但最后它成功了，所以，关键是艺术家如何处理题材，是不是用了心。

方家骏总结，总体来说，舞剧的创作水准普遍都不错，这也是中国舞剧在走过一个相对低谷的历史时期后的重新回升。尤为值得一提的是，一批“80后”舞剧编导的崛起，客观上形成了舞剧叙事意识的全线回归，戏剧品质更为坚实，与时代的呼声也更加紧密。

“他们用自己的作品发声，推动了舞剧从‘晚会化’‘花边形’回归到戏剧的大家庭。《永不消逝的电波》是其中意识最为清晰、目标最为坚定的一部，从某种意义上说，它实现了中国舞剧观念的升级换代。”方家骏评道。

民族歌剧的根就在本土

从“楚剧皇后”到歌剧英才，刘丹丽是国内少见且成功的跨界型演员。因为楚剧，她曾接连斩获梅花奖、文华表演奖，因为民族歌剧《有爱才有家》，她又在今年再一次摘得文华表演奖。

艺术节期间，刘丹丽特地从武汉赶到上海，连续观摩了14部舞剧和歌剧，每天都有惊喜，每天都在像海绵一样吸收。

比如内蒙古艺术学院的舞剧《草原英雄小姐妹》，讲的是20世纪60年代草原小姐妹为了保护集体羊群与暴风雪搏斗的故事，“现在的孩子都是独生子女，被爸爸妈妈爷爷奶奶百般呵护，怎么看这个故事？编导通过上课的形式，让他们感受到了草原小姐妹的传奇经历，孩子们感动了，慢慢转变了、懂事了、成长了。这部戏是在通过艺术来感化教育，而不是一味地说教。”

《永不消逝的电波》让刘丹丽真正感受到了对敌斗争的腥风血雨、中共地下工作者的艰辛，也让她近身体验了一把上海弄堂的人间烟火气。

这也是一部让她哭到抽泣的戏。比如小裁缝，这本是一个活泼调皮的角色，为了救李侠，他把红围巾围到自己身上，最后被国民党特务枪杀，“一束光打在红围巾上，我的眼泪就出来了。他还和大家招手，很开心地和大家再见，革命已经快要胜利，他却走了，那么天真，一点索取都没有。”

王佳俊扮演的李侠也让她深深代入，“你能感觉到他撕心裂肺的痛苦，但在那个年代，他所有的情感都得压着，那么多人为他付出了牺牲了，他要克制自己不能哭。那个年代太残酷了。”

国家大剧院的舞剧《天路》将青藏铁路尘封多年的修建历史挖掘出来，同样让刘丹丽泪流不止，“为了修铁路，铁道兵们在冰天雪地和高原缺氧的环境里肩挑手扛，现在高铁那么飞速、生活那么现代化，但大家何曾想过，几十年前还有这样一批年轻人在那默默奉献甚至牺牲了生命？”

刘丹丽观察，如今的舞剧创作不再用“高大上”的手法包装，而是通过情感的纠缠演绎故事，让观众看到一个个活生生的人，在追求更贴近生活、更能走进观众心里的表达。

在她看来，这些舞剧把英雄重新拉回到人们身边，观众看了不觉陌生，是因为它们真正触到了观众的灵魂深处，“我们平时总觉得自己很累很辛苦，看了这些戏，才发现我们太轻松了，那时候的人拿生命换来了今天，我们应该付出更多。所以革命题材的剧一定要有，我们不能忘掉历史，忘掉历史就是犯罪。”

除了舞剧，歌剧也是刘丹丽观摩的重点，印象最深的是，不少歌剧都在民间音乐和戏曲里吸收养分，比如福建省歌舞剧院的《松毛岭之恋》有闽南音乐元素，株洲市戏剧传承中心的《英·雄》有花鼓戏的味道，青岛市歌舞剧院的《马向阳下乡记》有吕剧的成份，音乐非常有旋律感，特别接地气，观众很容易就能产生共鸣。

刘丹丽认为，民族歌剧的根就在本土，中国的歌剧创作者应该在自己的土壤里生根开花，创作老百姓喜闻乐见、听得懂、传得开的民族歌剧。

“传统戏曲传承几千年肯定有它的土壤，老百姓多少能听一点戏曲，骨子里有基因在。我们可以从戏曲里找根，但也不能完全把戏曲搞过来，歌剧的本体不能丢。” 刘丹丽说，民族歌剧的创作很难，稍不小心就像戏曲，或者完全西洋化，到底是向西还是向中，这个尺度很难把握。

“《马向阳下乡记》有观众、接地气，它可能偏戏曲多一点，但也有西方式的二重唱、三重唱，这些都是在进行艺术探讨，还是可取的。” 刘丹丽评道。