拉斐尔、鲁本斯等笔下的母亲，看艺术家柔情的一面

语言学中“妈 (ma)”是最简单的发音之一，大多数新生儿第一次说话也是叫妈妈，但是这简单的一声妈妈中包含多少责任和付出、多少陪伴和鼓励，只有母亲们自己才最清楚。

在所有人心中，母亲占据着不可替代的位置，再叛逆的艺术家在母亲面前都会流露出柔情的一面。“谁言寸草心，报得三春晖”，在母亲节来临之际，看看拉斐尔、鲁本斯、毕加索等名家笔下的的母亲们。

《圣母像 (Madonna)》是最早的成体系的描绘母亲形象的一类作品，在十四世纪文艺复兴时期风靡一时，但是文艺复兴前的艺术作品大多服务于宗教，所以圣母像的程式化痕迹十分明显。

十四世纪宗教对圣母的宣传主要强调”童贞(virginity)”和“纯洁 (purity)”，加上神话中圣母是以没有情感和私欲的神的形象出现的，所以作品中圣母像有一套固定的公式——人物3/4侧面、庄严的表情、戴头巾，没有头发、平涂背景、画面以金色为主，象征神圣。

十四世纪随着欧洲科技文化的发展，神权统治开始动摇。同时人体解剖学的发展为艺术界带来了前所未有的冲击，艺术家开始用科学的目光审视人体结构、画面构图、空间塑造等等。简单来说，圣母像中的圣母更像人了。

“文艺复兴三杰”之一拉斐尔 (Raphael) 就是以画圣母像著称，其著作《西斯廷圣母 (The Sistine Madonna)》中圣母第一次以人类形象出现，打破了宗教艺术固有的圣母公式，被称为“圣母像的集大成者”。画面中的人物遵循人体结构比例，画面大胆地塑造了空间感，背景也不再是平涂。

虽然拉斐尔的《西斯廷圣母》突破了许多宗教艺术规则的束缚，但是画面中圣母和圣婴的表情依然凝重。这是因为在圣经的故事中，圣子降临时，圣母已经知道自己的孩子会饱受折磨并且成为世界的救世主，即使这样她依旧决定为了世人牺牲自己的孩子。

文艺复兴的大师们为后辈们冲破了束缚，开启了艺术服务大众的新时代。十七世纪巴洛克画派的代表人物之一彼得·保罗·鲁本斯 (Peter Paul Rubens) 与拉斐尔一样，以创作宗教题材作品著名，但是鲁本斯作品中的圣母几乎没有了“神”的痕迹，圣母看向圣婴的表情也更加富有人性的关怀。

十九世纪中期写实主义盛行，传统意义上的宗教画已经不再是主流，此时的圣母像中的宗教元素已经非常淡化，画面中突出的是大众日常生活中母亲的形象。

弗雷德里克·雷顿 (Frederic Leighton) 是十九世纪最著名的英国画家之一，也是维多利亚时代（1837年至1901年）最具代表性的画家之一。雷顿倾向于绘画古罗马和古希腊神话的题材，他注重在视觉上以最美丽的方式呈现一幅画作，同时喜欢运用鲜明的色彩和非常明确描绘的人物。

雷顿描绘了许多上流贵族母亲和孩子间的日常活动，作品中的人物动势之间互动明显，色彩搭配和线条运用非常考究，将母子相处时的安逸和亲密表现的非常细腻。

十九世纪法国学院派画家威廉·阿道夫·布格罗 (William-Adolphe Bouguereau) 的绘画常用神话作为灵感，以现实主义绘画技巧来诠释古典主义的题材，并且经常以女性的躯体作为描绘对象。法国和美国的主流艺术界对布格罗的这种古为今用的艺术风格评价极高，他被称为学院派最重要的艺术家之一。

印象派与学院派的对抗是十九世纪后期欧洲艺术界的主弦律，第一次印象派展览中唯一一位美国艺术家玛丽·卡萨特 (Mary Cassatt) 不仅是印象派“三位伟大女性 (法: Les Trois Grandes Dames/英: the three great ladies)“之一，同时也被称作“母亲和孩子的画家 (Painter of Mother and Child)“。

印象派后期1886年起卡萨特画风开始逐渐转变，同时她开始创作一系列以母子为主题的作品。虽然卡萨特终身未婚，也没有子嗣，但她总在作品中展示生动细腻的母子之情。

卡萨特画面中的孩子动势和神态都十分放松，表现了孩子对母亲毫无保留的心；母亲的注意力也完全集中在孩子身上，动作非常轻柔。时至今日卡萨特的母子系列作品仍然被认为是艺术史中少有的将母爱表现的淋漓尽致的出色作品。

二十世纪，以巴勃罗·毕加索 (Pablo Picasso) 为代表的立体主义艺术家们重新定义了艺术的意义。1921年毕加索与妻子霍赫洛娃 (Olga Khokhlova) 的孩子出生，1921年至1923年这段时间毕加索以霍赫洛娃和自己的孩子为模特，至少创作了12幅母子主题系列作品。

此时的毕加索风格一改《格尔尼卡 (Guernica)》中的尖锐与残酷，以细腻的线条和柔和的色彩表现了家庭中母亲与孩子之间的情感，展现了毕加索柔情的一面。