从三场声音艺术展，“听见”艺术展览与城市的关系

除了音乐之外还有什么声音值得去听？需要区分“实验音乐”与“声音艺术”吗？

在上海多伦现代美术馆3月15日开幕的“听路：中国当代声音艺术实践”（以下简称“听路”）中，策展人殷漪提出了多个涉及“声音艺术”的问题，试图引发观众思考。这场展览以新世纪以来三个艺术展为线索，通过文献、档案，以及6位艺术家的作品回顾声音艺术在中国的在地过程，观察中国声音艺术家的创作演变，思考声音艺术在当下的艺术生态与未来的可能。

3月15日，“听路：中国当代声音艺术实践”开幕现场

展览名“听路”作为一个短语，并不符合日常语法规范。但在今天以视觉为主导的文化语境中，“听路”一词则提供了一种异质性——其中包含了声音艺术与视觉艺术、中国城市化进程、文化转型之间的复杂关系。鉴于此，“听路”没有采用通常文献展俯瞰的视角去构建全景式的图景，而是以“唤醒巴特西”（2006，伦敦）、“转速：中国声音艺术大展”（2013，上海）和“原音：太原的地方声景”（2021，太原）三个展览作为锚点，呈现中国当代声音艺术的实践和中国声音艺术家群体的境遇。

“展览缘起于我们希望能够在‘迭代20’建馆二十周年的项目中有一个关于声音艺术的版块，以回应早期多伦在这方面的实验和探索，后来策展人殷漪带来了围绕‘唤醒巴特西’的思考和讨论，由此发展成为一个单独的关注‘声音艺术’的、从文献与当下生态两方面对声音艺术加以展开的展览项目。”上海多伦现代美术馆馆长曾玉兰说，“我们以这个展览回应自身机构的历史，同时呈现当代艺术的多元面向，期待通过这个项目让更多的人‘听见’当代艺术的历史与当下。”

展览现场

从三场声音艺术展，看艺术展览与城市的关系

对于展览的缘起，策展人殷漪提及，2023年北京赛剋克音乐厂牌重新出版了2006年伦敦巴特西发电站声音艺术项目《唤醒巴特西》合辑，这让一个原本并不为人所知的展览被业内关注。2006年，巴特西发电站计划启动工业建筑改造，欧宁（“听路”展文献顾问）应伦敦蛇形画廊“中国发电站”展览的邀请，在巴特西策划实施了名为“唤醒巴特西”的声音艺术项目。

展览现场，关于“唤醒巴特西”（2006，伦敦）的文献。

缘何当时展览关注中国当代声音艺术？“当时正是2008年北京奥运会和2010上海世博会之前，欧洲社会对中国充满着好奇；加之，当时巴特西发电站地块为中国香港的开发公司所有。艺术与文化的展示，成为了让世界探知和了解中国，以及中国与世界交流的途径之一。”策展人殷漪认为，“当时，中国声音艺术刚刚萌芽，在地产开发以文化为先导的策略下，声音作为一种新的、好用的当代艺术话语，还没准备就绪，就直接上场。如今回看，这些各有魅力的音乐，像是来自中国音乐家们的‘前现代个人炼金术’，却被‘声音’一词含混地统一到一起。”

展览现场

到了2013年，作为“西岸2013：建筑与当代艺术双年展”中主题展之一，“转速：中国声音艺术大展”是第一次以“声音艺术”命名的中国官方艺术展览。“相比上海和伦敦展览，策展构想与最终的实施结构都是建筑、当代视觉艺术和声音艺术的组合。无论是伦敦的旧日发电站还是上海滨江旧生产性空间，都需要一个去旧造新的转变。再进一步观察，两个展览都是服务于城市区域开发，是配套的文化营造的文化事件。”

展览现场，关于2013年“转速：中国声音艺术大展”的文献。

“转速：中国声音艺术大展”的另一背景是，2010年前后在欧洲和北美发生了一系列重要的声音艺术事件，包括苏珊·玛丽菲利普兹（Susan Mary Philipsz）获得特纳奖，2013年德国卡尔斯鲁厄艺术与媒体中心（ZKM）和美国现代艺术博物馆（MoMA）均举办了以声音艺术为主题的大展，这些事件传递出“声音艺术在兴起”的信息。加之中国台湾艺术家、学者林其蔚的著作《超越声音艺术：前卫主义、声音机器、听觉现代性》中声音艺术发展历程的介绍，对中国早期当代声音艺术创作者有着概念指导的意义。

展览现场，关于2013年“转速：中国声音艺术大展”的文献。

再看2021年“原音：太原的地方声景”，同样是欧宁策展，但更像是一个以当代艺术的方式去做地方人文地理研究。策展人以实地录音作为实践方法，通过集体讨论、工作坊、讲座和展览并置的形式，围绕地方性展开艺术实践，“声音”在此生成了全新的话语空间。展览的发生地长江美术馆是一个地方性的民营美术馆，其中或多或少涉及城乡建设中文化先导策略，以及“文旅”为范式的城市规划与发展和与之相关的经济驱动力。

展览现场，关于2021年“原音：太原的地方声景”的文献。

虽然三场展览本身在时间和空间上并无联系，但“听路”展以文献的方式将这三场展览共同呈现，其实能看到艺术展览所表达出的城市认知和社会意志。“从某种角度来说，艺术展览史是文化史，也是城市发展史。”殷漪说。之所以选择这三场展览作为叙述线索，他则回到了“中国当代声音艺术”的定义（虽然定义目前尚是模糊的），在他看来，“能不能被称为声音艺术，在于没有从听觉和声音的角度去思考和创作这个作品，而不是仅仅把声音当作材料。

展览现场，陈维的作品《协奏曲/弹幕》，2021

视觉与听觉艺术的关系

除了三场展览的文献外，“听路”也呈现了陈维、孙玮、王长存、颜峻、杨嘉辉、张安定不同时期的声音艺术作品，艺术家访谈和艺术评论文章。其中，陈维、王长存、颜峻、张安定是2006年“唤醒巴特西”的参展艺术家。

陈维如今以摄影著名，但早年间的声音实践在其视觉作品中也留下了痕迹。展览展出的《协奏曲/弹幕》的背景是一幅巨大的照片，照片中的青年身处一室，彼此迷离而失焦，这或正是来自实验音乐创作的视觉经验。作品的听觉部分，是将美术馆现场的实时视频的弹幕转化为模块合成器的随机声响——弹幕如声音，即生即灭。颜峻的《打口》由三部分组成，分别是百余张打口CD叠放构成的金属质感的圆柱、在地面滚动它们的声音记录和以滚动CD形成的轨迹画线，以线条构成画面记录时间。“打口CD塑造了90年代的非主流乐迷。从摇滚乐到实验音乐，从即兴到噪音，中国第一代声音实践者的聆听经验与世界认知也由此萌发，产生出没有谱系，却自由生猛的中国特有声音美学。但天然的缺陷形成的时而隐痛，一定程度渗入了今天中国的声音艺术实践。”殷漪说。澎湃新闻记者通过对艺术家的采访，也证实了这一点，中国大陆第一代做声音实践的艺术家，基本都生于1970年代，大多不是科班出身，有些是美院绘画专业，有的是社会学背景，在少年时代喜欢摇滚，也有的组过乐队，由此开始摸索。

展览现场，颜峻《打口》（三部分构成）。2018-2024

比如，参展的声音艺术家张安定，更像是一个文化研究者，他在复旦大学和伦敦大学亚非研究学院，获得公共管理以及政治社会学两个硕士学位。他从社会学的角度思考声音如何打开人的可能性空间，其作品探讨今天的技术和文化语境下，我们的聆听与发声所呈现的生命可能。此次展出的《田野：虚空中的聆听》将艺术家自己聆听中的身体记忆和感知，转化为表演录像，空间声响和手写文本。除了美术馆展出外，由一个二维码通向的线上空间，由张安定与“滩涂声音小组”共同创作，基于在线文档和网络会议室，展开写作和表演。

展览现场，张安定《田野：虚空中的聆听》，2024

在展览中，相对容易被忽略的作品是美术馆角落孙玮的《瓶子的旅程》，作品的视觉可见部分仅是两个热水瓶胆、两个喇叭和一些线路。据孙玮介绍，这件作品最初在北京某个湖畔呈现，喇叭中播放的是瓶胆中的实时声音，此次在美术馆的展出，与自然是不同的场域，作品是声音对不同空间作出的反馈，孙玮也是较早把田野录音技术构架引入创作的艺术家。相比其他伴随着视觉形式出现的作品，也引发出“当声音艺术家开始使用视觉范式与图像材料创作声音艺术作品时，这到底是一种激进，还是一种妥协，是观念还是策略，是开放还是迎合？”的讨论，这一讨论也几乎贯穿在展览乃至当下诸多声音艺术的创作中。

展览现场，孙玮作品《瓶子的旅程》，2007

“相比过去更注重‘本真性’‘纯粹性’，现在很多声音的实践者突破着材料的局限。只有超越声音作为一种材料，才可能迈向更广阔的创作领域。即便是孙玮作品的装置部分也包含着视觉层面的考虑。从媒介角度，听觉和视觉是目前最为重要的两个媒介，它们的强势，也与技术的发展关联。而声音艺术的实践最终是指向听觉文化的建构。”殷漪说。

展览现场

展览将展出至6月16日。