巴黎的来信

海明威笔下的20世纪20年代的巴黎是一场“流动的盛宴”，一个世纪后的今天，这座历久弥新的城市在关注什么，又将诉说什么？两岸的变迁与兴衰中，塞纳河蜿蜒流淌，静谧依旧。它曾见证令人撼动的城市运动与现代化进程，凝听街角咖啡馆里的文人轶事与思辨。如今，时隔百年的体育盛事又将把它推至全世界的焦点。

2月，巴黎以琳琅满目的艺术呈现开启了这个至关重要的年度。让我们沿着各个区域一览正在发生的艺术事件！

卢浮宫周边

Around The Louvre

全球最重要的艺术博物馆之一卢浮宫坐落于塞纳河右岸的第一区，其周边也不乏步行距离可至的世界级私人美术馆和国际画廊。

Mike Kelley, still from Day Is Done (Extracurricular Activity Projective Reconstructions #2-32), 2005/2006, video color, sound, 2:49:00 min. Courtesy Electronic Arts Intermix (EAI), New York. © Mike Kelley Foundation for the Arts. All rights reserved. © ADAGP, Paris, 2023.

巴黎商品交易所博物馆-皮诺艺术收藏呈现洛杉矶艺术家迈克·凯利（Mike Kelley）的回顾展，为其拒绝被已有分类所定义的作品集提供了新的视角。展览由伦敦泰特现代美术馆（Tate Modern）与巴黎皮诺艺术收藏、杜塞尔多夫北莱茵-威斯特法伦州K21美术馆（K21 – Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen）和斯德哥尔摩现代美术馆（Moderna Museet）合作呈现。

展出作品部分属于巴黎皮诺艺术收藏。圆形大厅中展示了艺术家创造的一系列不同的作品和沉浸式环境，包括壮观的《坎多》系列——钟罩下的未来主义城市。 展览还将展示凯利实践的“小历史”——绘画、照片和初步笔稿——揭示他的思考过程。

Stanley Whitney, "Dear Paris" Installation view, 2024 © Stanley Whitney. Photo: Thomas Lannes. Courtesy Gagosian

斯坦利·惠特尼（Stanley Whitney）的展览同名绘画作品《Dear Paris》（2023）从艺术家在巴黎逗留期间获得灵感，是惠特尼的最新抒情抽象作品。

Stanley Whitney, Untitled, 2019, Gouache on paper, 22 x 30 inches (55.9 x 76.2 cm) © Stanley Whitney. Photo: Rob McKeever. Courtesy Gagosian

他以自己独有的方式进行构图——从画面左上方开始，一个一个方块在画布上纵横交错，让作品在系统结构和自发表达间达到了平衡。惠特尼用有力的笔触勾勒出每一个图形，色调生动活泼，并将其与前一个图形的边界形成关联。画作中变化微妙的写意几何图形通过行与行之间的线性带进一步划分，对整个构图进行分割的同时又形成了某种统一。

左：丹尼尔·达维欧，《青蛙喷泉》，2021，锈色铜雕，艺术家署名，Deroyaume铸造厂，175 x 85 x 96 cm，Ed.8 + 4 AP；右：“Anima"展览现场 © 丹尼尔·达维欧，致谢艺术家与杜梦堂

杜梦堂庆祝与艺术家丹尼尔·达维欧（Daniel DAVIAU）携手合作三十周年。个展 “Anima”中，二十件最新作品首次亮相。

“Anima"展览现场，杜梦堂，巴黎 © 丹尼尔·达维欧，致谢艺术家与杜梦堂

丹尼尔·达维欧擅于通过生动的作品捕捉动物的灵性，他对造型风格和形态提炼都有着独到的见解。他用深情的创作表现了每种动物的精髓。为这些动物“铸”入活力的青铜以凝练的线条和精简的体量展现了每种动物的力与美，彰显了他对形式和运动的深刻理解。

玛黑区

Le Marais

玛黑区横跨塞纳河右岸的第三区和第四区，融合了历史的魅力和现代的创意，形成了一个充满活力和多样性的时尚文化场所。

Dorothea Lange, Mended Stockings, San Francisco [Bas reprisés, San Francisco], 1934, Gelatin-silver print, 25.5 × 20.5 cm, Marin Karmitz collection © The Dorothea Lange Collection, the Oakland Museum of California, City of Oakland. Gift of Paul S. Taylor. Photographic reproduction: Collection Marin Karmitz

「背靠背：摄影的故事」汇集了来自蓬皮杜中心的馆藏作品及法国收藏家马林·卡米茨的私人收藏，以崭新的视角呈现了20及21世纪的人物摄影。

Christer Strömholm, España 164 B, 1958-1959, Gelatin-silver print, 24.2 × 17.8 cm, Marin Karmitz collection © Christer Strömholm Estate / Agence Vu' Marin Karmitz collection, Photographic reproduction : Florian Kleinefenn

集合了约120位来自不同时代摄影师的500多张照片及文献，此次展览超越了以经典的类别，如：“肖像”、“自画像”、“裸体”或“人文主义”等主题来区分摄影，而是希冀呈现 “摄影”的特殊性。展览揭示了艺术家们创作中的区别与共性：从他们如何洞察事物、如何诠释摄影，以及各自的创作形式来分析摄影师们对摄影的诠释与痴迷。

Gilles Aillaud, Ours noir, 1982, Oil painting, 130 × 97 cm, Private collection © DR © ADAGP, Paris, 2023

「政治的动物」专门展出了艾尧的动物画(当然，他也画海景)，汇集了他受动物园启发、以及他访问非洲期间的创作。艾尧在动物园里发现了取之不尽的色彩、无限变化的材料与形状。而非洲的大草原亦为他带来了新的灵感，自由奔放的动物与艺术家衍生出的新技法相互呼应。艾尧对于绘画有着孜孜不倦地研究与追问：从维米尔的写实主义(艾尧曾撰写过一篇关于维米尔的文章)到对马奈精湛技艺的研习(马奈是他的绝对楷模)，让他成为彼时最严苛时代的佼佼者。

Left: Christine Sun Kim, Futurist Future, 2023. Mural paintings, based on graphic works from 2016, variable dimensions. Courtesy of the artist, White Space, and François Ghebaly © Yang Hao; Right: Emma Kunz, Sans titre, undated. Pencil and oil crayon on brown graph paper, 79 x 79 cm © Emma Kunz Stiftung

展览“Coming Soon”（即将到来）着眼于我们与未来之间的关系和存在方式。它既逃避我们，又等待着我们。 在预测、神谕、预测系统和屈服的概念之间，展览将当代艺术家委托作品与历史物件相结合。借用艺术家芭芭拉·克鲁格(Barbara Kruger)的话语，“未来属于那些能够看到它的人”，展览探讨了我们对未来的构想如何反映当前时代；我们的希望、悲观、欲望和焦虑如何显现；不同的存在方式和态度如何转化。未来是一个不断演变的时空，并非所有人都能以同样的条件居住其中。通过对不同对共同体意义的理解，以激发我们对未来的紧迫思考，“Coming Soon”（即将到来）关注书写、想象、创造和体现集体结果的可能路径。

Leila Alaoui, "Made in India" Installaton view, Galleria Continua Paris, 2024. Photo: Hafid Lhachmi © Leila Alaou, courtesty of the artist and GALLERIA CONTINUA

常青画廊巴黎空间呈现 「印度制造」(Made in India)，展出法籍摩洛哥艺术家利拉·阿拉维（Leila Alaoui）2014年于印度旅行拍摄的一系列未公开作品。艺术家以其结合摄影纪录片、人文主义和行动主义的象征性肖像而闻名。2016年，阿拉维因瓦加杜古（非洲布基纳法索首都）发生的恐袭严重受伤而英年早逝，逝时仅33岁。

Leila Alaoui, "Made in India" Installaton view, Galleria Continua Paris, 2024. Photo: Hafid Lhachmi © Leila Alaou, courtesty of the artist and GALLERIA CONTINUA

2014年7月，阿拉维前往金奈（以前称为马德拉斯），与那些经常隐藏在大众市场服装“印度制造”标签后面的女性相识，使这一群体的面孔永垂不朽。艺术家敏锐地关注并保持与被摄者之间的批判性距离，同时以细腻、温和和支持性的敏感度包围拍摄对象。 展览还展出了年轻影像艺术家 Shrikkanth Govindarajan受委托记录该项目制作过程的视频。

Alejandro Campins, "Sucedáneos" Installaton view, Galleria Continua Paris, 2024. Photo: Hafid Lhachmi © Alejandro Campins, courtesty of the artist and GALLERIA CONTINUA

古巴艺术家亚历杭德罗·坎宾斯的绘画和摄影实践受到他在旅途中访问过的各个地方的启发。 他祖国的历史、建筑和标志性景观一直渗透着艺术家的想象力。 他创造的梦幻般的风景融合了不同的时间性，模糊了记忆和想象之间的界限。 人类形象的缺席也给所描绘的地方带来了神秘的气氛。

Marta Spagnoli, "Scavengers" Installaton view, Galleria Continua Paris, 2024. Photo: Hafid Lhachmi © Marta Spagnoli, courtesty of the artist and GALLERIA CONTINUA

意大利艺术家玛尔塔·斯帕格诺利（Marta Spagnoli）于常青画廊巴黎空间的首次个展「清道夫」(Scavengers) 汇集了大约 20 件作品——素描、大型布面绘画和水粉画——来探索他者的概念，承认他人的不同，以及存在的微妙深度，这些皆是艺术家诗学的核心。

"Embodied Perspectives: A Dialogue in Forms" Installation view, Cadet Capela, Paris, 2024 © Courtesy of Douglas Rieger, Clara Rivault, Effie Wanyi Li and cadet capela © Credits photo: Thomas Marroni

此次群展汇集了 Douglas Rieger, Clara Rivault以及Effie Wanyi Li的独特艺术表现形式，每一位都以细致入微、令人回味的方式深入探讨人体的复杂性。尽管这三位艺术家的背景和媒介不同，但他们有一个共同的主线：对身体作为容器、叙事和沉思场所的无限制探索。

汤姆·萨克斯，《第一步》，2023年，合成聚合物、Krink马克笔、画布，182.9 x 152.4 厘米 © 汤姆·萨克斯，致谢艺术家与Thaddaeus Ropac，伦敦·巴黎·萨尔茨堡·首尔

在Thaddaeus Ropac巴黎玛黑空间呈献的展览“绘画”（Painting）融合了汤姆·萨克斯（Tom Sachs）对毕加索（Pablo Picasso）、杜尚（Marcel Duchamp）和丽莎·辛普森（Lisa Simpson）作品的重新演绎，由此对绘画的目的展开睿智的反思。萨克斯聚焦毕加索在1937年至1945年，即所谓“战争年代”所创作的绘画，用自己独特的绘画语言重新诠释其作品，并将他与两位“对手”展开对比，提出挑战：一位是老对手杜尚，另一位则是时敌辛普森。

“理查德·迪肯：新作” 展览现场，2024年, Thaddaeus Ropac 画廊巴黎玛黑 © 理查德·迪肯，致谢艺术家与Thaddaeus Ropac，伦敦·巴黎·萨尔茨堡·首尔

理查德·迪肯（Richard Deacon）的新作个展包括三组雕塑和绘画作品，每组作品都使用不同的材料，如釉面陶瓷、不锈钢、合成牛皮纸手稿，彰显艺术家对各种材料的尝试，以及他对这些材料的一致性和品质的深厚兴趣。迪肯始终忠实于从他职业生涯开始就一直推动其创作的工艺原则，这些原则也构成他创作美学不可或缺的一部分。

View of Johan Creten's exhibition 'How to explain the Sculptures to an Influencer?' at Perrotin Matignon, Paris, 2024. Photo: Tanguy Beurdeley © Johan Creten/ADAGP, Paris, 2024. Courtesy of the artist and Perrotin.

贝浩登巴黎空间呈现约翰·克瑞坦(Johan Creten)于巴黎的第五次个展，展示艺术家崭新的青铜和粘土浅浮雕、雕塑和家具雕塑。 克瑞坦使用黏土与青铜进行创作，不仅因为它们的可塑性潜力，还因为它们内在的叙事性。 粘土代表了正在形成的社会的基础，而青铜则主要通过纪念碑诉说我们与历史的关系。

Mr., Happy Birthday to You, 2023. 布面丙烯和丝网印刷. 162×130×5 cm. 摄影: Yuta Saito. © 2023 Mr./Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved. 图片提供:艺术家与贝浩登

贝浩登（巴黎）呈现Mr.与画廊合作的第八次展览 “花朵在祈愿时盛放”，亦是艺术家于巴黎空间的第四次展览。展览展示了一系列全新绘画作品以及异形画布作品、 两件雕塑和一组纸本。作为“超平面”和日本新波普运动的代表艺术家，Mr.的创作以御宅族文化为主题，通过极具卡通风格的形象对日本流行文化、社会问题和历史悲剧等展开反思。

Mr.个展“花朵在祈愿时盛放”于贝浩登（巴黎）展览现场, 2024. 摄影：Claire Dorn. © 2024 Mr./Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved. 图片提供:艺术家与贝浩登

尽管是御宅族的拥趸，Mr.却从未完全将自己封闭起来。他的作品也受到西方城市亚文化的影响，特别是涂鸦艺术。后者与御宅族文化分享着许多关键特征，两者都与青年文化、“极客主义”以及男性边缘化和隔离感相关，常常面临着不理解和拒绝。

雪林·夏帕，《二元思维的临时解决方案I》，2023，布面金箔、丙烯与墨水，126 x 135 厘米 / © 雪林·夏帕 - 致谢艺术家与阿尔敏·莱希

阿尔敏·莱希 - 巴黎呈现尼泊尔艺术家雪林·夏帕（Tsherin Sherpa）于画廊的首次个展。夏帕通过扭曲、解构、分解和重组等手法，将西藏艺术元素与现代图像相结合，从而延伸、改变、重新配置并重新诠释这些元素。其作品探讨了迁徙游牧者在个人文化和身份上的妥协与冲突。夏帕的艺术不仅赞美喜马拉雅文化，也对其经常被过于理想浪漫化的呈现提出挑战。

左：埃里克·克罗斯，《蓝色渔夫图腾》, 2024，釉面陶瓷、混凝土与钢材，195 x 47 x 47 厘米/ © 埃里克·克罗斯 - 致谢艺术家与阿尔敏·莱希 ; 右：埃里克·克罗斯肖像，2023年 / © 埃里克·克罗斯 - 致谢艺术家与阿尔敏·莱希 - 摄影：Studio Mammouth

阿尔敏·莱希 - 巴黎呈现比利时雕塑家埃里克·克罗斯（Eric Croes）的最新作品，邀请观众一同进入这位极具启发性并独具一格的艺术家世界。克罗斯的作品总是呈现出综合性和多元融合。他根据不停流转的丰富想象力，创作出醒目的形状、巨型花瓶、傀儡或图腾，邀请我们追随他的脚步，一同漫步。其作品承载并表达了他内心深处的传奇故事，并以肉眼可见的形式展现。记忆、经历和幻想交织在一起，有时你甚至能辨认出这些幻象的源头，无论是意大利还是日本的真实或虚构之旅。

"Seyni Awa Camara - John McAllister：Sculpting Earth, Painting Sensations" 展览现场，2024年，阿尔敏·莱希 - 巴黎 / © Seyni Awa Camara © John McAllister - 致谢艺术家与阿尔敏·莱希 - 摄影：Nicolas Brasseur

阿尔敏·莱希呈现展览“Sculpting Earth, Painting Sensations"，呈现两位艺术家 Seyni Awa Camara 和 John McAllister 之间创造的独特对话。 他们的艺术作品似乎来自同一个源头：地球。 两位的作品根植于持久且不变的时间感，为本次展览赋予了生命。

圣日尔曼新市区

Faubourg Saint-Germain

圣日耳曼新市区坐落于塞纳河左岸，曾长期受到法国上流社会的青睐，留下了众多贵族住所，其中包括如今罗丹博物馆所在的比龙酒店（Hôtel Biron）。

"安东尼·葛姆雷：临界质量" 展览现场， 罗丹博物馆，法国巴黎，2023年, 摄影：Jérome Manoukian © agence photographique du musée Rodin, Jérome Manoukian

罗丹博物馆正在展出英国艺术家安东尼·葛姆雷。四十多年来，葛姆雷通过对自己身体的批判性接触，以及最近通过检查身体与建筑环境的关系，探索人体与空间的关系。

安东尼·葛姆雷 ,《迸发》，2022年，铸铁，100.5 x 54.6 x 80.1 厘米，摄影：Stephen White & Co, London © 艺术家，致谢艺术家与Thaddaeus Ropac，伦敦·巴黎·萨尔茨堡·首尔

罗丹博物馆的这次展览名为“临界质量”，将激活博物馆的所有区域，包括临时展览空间、花园、大理石画廊和比龙酒店。 葛姆雷职业生涯中的重要作品将与罗丹自己的雕塑进行对话，邀请参观者反思两位雕塑家以及他们共同的投资，询问身体作为主体、客体和反身工具为雕塑提供了什么。

香榭丽舍大街周边

Around The Champs-Élysées

巴黎最负盛名的香榭丽舍大街也充满了浓厚的艺术氛围：与其相紧邻的马蒂尼翁街(Matignon)上国际画廊汇聚一堂；东京宫与巴黎现代艺术博物馆则坐落于不远处的塞纳河畔。

Sara Kontar, Towards a Light series, cyanotype, variable dimensions, 2021-2022. Courtesy of the artist

“Dislocation”展览汇集了来自不同世代和背景（阿富汗、法国、伊拉克、伊朗、黎巴嫩、利比亚、缅甸、巴勒斯坦、叙利亚和乌克兰）的十五位艺术家，他们的作品以流亡以及在此地和彼岸、过去和现在之间被撕裂的经历为标志。

Left: Nge Lay, OBSERVING OF SELF ON BEING DEAD, Color print on archival matte paper, 137,16 x 91,44 cm, 2011; Right: Maha Yammine, De torchons et de serviettes (detail), 2020 – ongoing, fabric and embroideries. Courtesy of the artists

他们的创作方式结合了祖传技艺和当代科技，谦逊的姿态和简陋的材料。展览旨在通过碎片化的叙事，将流离失所、囚禁和战争与坚韧和修复相结合，向艺术创作的必要性和强度致敬。

Richard Avedon, The Vicomtesse Jacqueline de Ribes, hair by Kenneth, New York, December 14, 1955, Photo: Richard Avedon © The Richard Avedon Foundation. Courtesy Gagosian

“摄影之于我来说一直是一种双面镜。 一方面反映了我的拍摄对象，另一方面反射我自己。”

——理查德·阿维登

"Iconic Avedon: A Centennial Celebrationof Richard Avedon" 记念里查德·阿维顿（Richard Avedon，生于1923年5月）诞辰一百周年。“Iconic”这个词通常用以形容他的照片，但同样适用于摄影师本人，在这里用来阐明他对当今文化的非凡影响。

Left: Richard Avedon, Charles Chaplin, actor, New York, September 13, 1952, Photo: Richard Avedon © The Richard Avedon Foundation; Right: Richard Avedon, China Machado, suit by Ben Zuckerman, hair by Kenneth, New York, November 6, 1958, Photo: Richard Avedon © The Richard Avedon Foundation. Courtesy Gagosian

在 20 世纪 40 年代中期建立纽约工作室后不久，Avedon 就形成了一种富有创意、精致且易于辨识的风格。作为《Harper's Bazaar》（《时尚芭莎》）（1944-65 年）和后来的《Vogue》（1966-88 年）的专职摄影师，阿维顿拍摄了许多出版物的经典图像。 随着阿维顿的声誉不断提高，二十世纪的标志性人物——表演者、作家、艺术家、知识分子和其他名人——纷纷被吸引以透过他的镜头来看自己。展览以他拍摄的著名和不知名主题的照片为特色，凸显了阿维登作为“标志性人物”的创造者所扮演的创新角色。

伊连·德普拉（Hélène Delprat），《绘画-灾难》（Peinture - catastrophe）， 2023，颜料 亮片 丙烯粘合乳剂 画布，250 x 380 x 4 厘米 © 伊连·德普拉, 巴黎Adapg 2024，摄影: Nicolas Brasseur，致谢艺术家与豪瑟沃斯

在过去四十年间，伊连·德普拉一直以其多种面向的艺术实践，关注人类境况，在包括绘画、素描、摄影、雕塑、视频、戏剧、采访项目和装置艺术的作品序列中探索生与死。

「伊连·德普拉：怪物汤」（Hélène Delprat: MONSTER SOUP) 展览现场，豪瑟沃斯巴黎，2024 © 伊连·德普拉，致谢艺术家与豪瑟沃斯

德普拉的作品在虚构和纪实、幽默和忧郁间摇摆，并形成了庞大的参考系，涵盖文学、电影、广播、哲学、互联网数据库、国家历史纪录和经典艺术史等种种元素。她被比作一位图像学家（iconologist），善于将各种不同的灵感来源凝聚成一个神奇的宝库——这个宝库是一个充满无意与有意的世界，它美丽又怪诞，记忆、身份、纪录和遗产的主题在其中交汇，提醒我们过去是一种建构，而当下则瞬息万变。

Tia-Thuy Nguyen，《阳光灿烂》，2023，布面装饰，100 x 140 厘米/ © Tia-Thuy Nguyen - 致谢艺术家与阿尔敏·莱希 - 摄影：Ana Drittanti

Tia-Thuy Nguyen在阿尔敏·莱希 - 巴黎｜马蒂尼翁所举办的首次个展「浩瀚中的闪光」，展出了其自2018年至今仍在进行的系列作品《我、我的、我自己、云》（I, my, me, cloud）中的20多幅混合媒介绘画。

左：Tia-Thuy Nguyen，《至高之上》，2023，布面装饰，30 x 30 厘米/© Tia-Thuy Nguyen - 致谢艺术家与阿尔敏·莱希；右：Tia-Thuy Nguyen肖像，2022年 / © Tia-Thuy Nguyen - 致谢艺术家与阿尔敏·莱希 - 摄影：Ngo Nhat Hoang

她的父亲曾是越南空军飞行员，在越南战争（1954年至1975年）中的经历深刻影响了她，使她对云朵产生了深厚的情感与细腻的欣赏——云朵既能揭示，也能遮掩隐藏许多事物。Tia Thuy Nguyen既被父亲描述穿越云层的壮丽场景所吸引，同时也被云层为敌机提供掩护的警示故事所震撼。

Anselm Kiefer, Die Windsbraut, 2014, Watercolour and pencil on paper, 60 x 57 cm | 23 5/8 x 22 7/16 in. 77 x 74 x 5 cm | 30 5/16 x 29 1/8 x 1 15/16 in. (framed) © Anselm Kiefer, courtesy of the artist and White Cube

安塞姆·基弗的水彩画充满了人性的物质性以及通过自我实现逃离日常生活的可能性：用以其无法控制的性质而闻名的媒介创造出动荡的愿景。

"Anselm Kiefer: For Jean-Noël Vuarnet" Installation view, White Cube, Paris, 2024 © Anselm Kiefer, courtesy of the artist and White Cube

蒙帕纳斯

Montparnasse

位于塞纳河左岸，蒙帕纳斯在20世纪早期成为了艺术家、作家和思想家的聚集地，他们的存在使这里成为了一个充满创意和革新精神的地方。

Makaloo’s Dome, madefrom a bamboo structure,covered with cowhideand lime / Mandala Study,2023, bird shapedgeometric frame of bambootied with nistari silk /Lime and red cinnabar/cochineal pigment drawnwith silk on granitebench.Photo © Ashish Shah

这个冬天，卡地亚当代艺术基金会邀请到印度孟买工作室(Studio Mumbai)创始人、著名建筑家比乔伊·杰恩(Bijoy Jain)，举办全新展览“建筑师的呼吸”。

本次展览，比乔伊·杰恩还特别邀请北京的中国艺术家胡柳和巴黎的土耳其裔丹麦陶艺家艾莱芙·埃布兹亚·西斯比(Alev Ebüzziya Siesbye)共同参与创作。这三位艺术家都重视手势的仪式魅力、与材料的共鸣和交融，拥有共通的理念和情感。

布洛涅森林

Bois de Boulogne

布洛涅森林位于市区西部，是巴黎第二大公园，以其宜人的自然景观和多样的文化娱乐场所闻名。

Mark Rothko, Ochre, Red on Red, 1954, Oil on canvas, 235.3 x 161.9 cm. The Phillips Collection, Washington DC. Acquired 1960 © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023

路易威登基金会正在呈现马克·罗斯科（Mark Rothko, 1903-1970）大型回顾展。这是艺术家继 1999 年在巴黎现代艺术博物馆（Musée d’Art moderne de la Ville de Paris）的展览之后，在法国举办的首次回顾展。

此次回顾展汇集了来自全球各大机构收藏的约 115 件作品，以及来自国际私人收藏的作品，其中包括美国国家美术馆、伦敦泰特美术馆、菲利普美术馆（The Phillips Collection）和艺术家家族收藏。展览追溯了艺术家的完整职业生涯：在基金会空间中，按时间顺序呈现了从最早期的具象绘画到如今最广为人知的抽象作品。

庞坦

Pantin

在巴黎的东北郊，一些旧厂房如今已是全新的艺术文化地标，例如Thaddaeus Ropac庞坦空间的前身是一个钢铁厂及其周边建筑。

Artwork © Teresa Pągowska，致谢艺术家与Thaddaeus Ropac，伦敦·巴黎·萨尔茨堡·首尔

"Re-enchantment"汇聚了十位当代艺术家，他们的实践探索了重新使世界充满魅惑的方式，以回应 20 世纪标志性的祛魅。

通过梦境空间、风景与人物的倒置，以及揭示被隐形的女性历史的跨代研究，展出的艺术家似乎模糊了人类与非人类、语言与物质、现实与想象、科技与有机之间的界限。

“公社”

Komunuma

艺术园区

2019年，由法国 Fiminco 基金会发起的文化社区项目使罗曼维尔的一座20世纪工业园区变身为新的艺术基地。这些有着相似经营理念，且颇具实力和影响力的画廊，在“巴黎公社”项目中，进行资源整合，形成了一个当代艺术的“共同体”。

艾琳·科佩尔曼（Irene Kopelman），《Clouds（云）》，2022 年，纸本水墨、双联画，1/2 : 20.5 x 29.5 cm, 2/2 : 8.5 x 20.5 cm，独版。图片来源：艺术家及乔斯林·沃尔夫画廊。

「隐形体积」汇集了伊夫·克莱因的“非物质图像敏感性区域”以及上世纪60年代各种非物质化观念、空间和其他露天蒸汽分配系统的继承者，这些作品以各自的方式展示了非物质雕塑的敏感性。尽管乍看之下不易察觉，但在这里展出的物体仍然是颇具辨认性且可感知的。这些作品以声音或触觉方式，使气流脉动，或为空间增添声音的维度。一些作品由气流驱动，在云雾中消散，或被呼吸贯穿。

原标题：《巴黎的来信》

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