安东尼·葛姆雷中国展：雕塑是一种时空对话，如静止中移动

他的雕塑，总是以某种方式与周边时空产生对话，也试图勾连人们的心灵。

“一个雕塑是一个物体，你把它制作出来，放在大街上，改变了大街的样貌。但与此同时，它是否能够改变人类的内心，造成影响？艺术，是否能够成为探索人类意识的一把钥匙？”9月8日，英国知名雕塑家安东尼·葛姆雷在上海的演讲中与观众分享自己的思索。

“澎湃新闻·艺术评论“（www.thepaper.cn)获悉，在上海龙美术馆呈现的展览“安东尼·葛姆雷：静止中移动”是艺术家在中国的首个重要展览，展览从9月9日持续至11月26日，展览的核心作品《临界物质II》由60个真人大小的铸铁人体组成，均是以葛姆雷本人的身体翻模铸造的。对他来说，一件雕塑重要的不是外表，而是内里。“我们的身体存在于某个空间，某个空间也存在于我们的身体。”艺术家表示，他借用柏拉图的说法，“我们永远不会知道另一个人是怎么想的，在那具皮肤之下，有无限的可能性。”

安东尼·葛姆雷作品《在别处》（1997），而今永久安置于利物浦的海岸

安东尼·葛姆雷为伦敦特拉法加尔广场第四基座设计的项目《一个又一个》（2009）

安东尼·葛姆雷的人形雕塑被安置于这个世界的山巅和海岸、雪山和旷野，有时他的人形也会出现在城市，在建筑边缘，被倒吊下来，匆匆而过的路人甚至会担心它身处险境。他也曾使用真实的人体作为其作品的媒介，在伦敦的特拉法加尔广场的第四基座，2400个人在2400个小时里面轮流成为“活着的雕塑”，持续白天日夜无休。他的雕塑，总是以某种方式与周边时空产生对话，也试图勾连人们的心灵。

“安东尼·葛姆雷：静止中移动”是艺术家在中国的首个重要展览，展览从9月9日持续至11月26日，参展作品包括7件装置和雕塑，以及大量的绘画、版画和素描。通过不同类型的作品，观众可以体验到艺术家的创作概貌，也可以了解到雕塑家的丰富维度与深刻省思。

《临界物质II》是本次展览的核心作品，由60个真人大小的铸铁人体组成。这件作品在诞生以后的20年间曾经在欧洲各地展出，而今首次来到亚洲。艺术家每次都会因地制宜地摆布60个人形雕塑。在龙美术馆的展厅里，它们或散乱地堆叠在一起，仿佛是大屠杀的场景，另一边，12个姿态各异的雕塑排成直线，让人联想到“人类的进化”。这两组雕塑并置，仿佛隐喻了文明的曲折进程。其余的人体分散地遍布于展厅各处，或是仰面平躺，或是面墙跪地，或是以坠落姿态从空中悬置下来……吸引观众去寻觅、观察与感受。

《临界物质II》（1995），“安东尼·葛姆雷：静止中移动”展览现场

值得一提的是，这些作品均是以葛姆雷本人的身体翻模铸造的。

展览中另外有两件可以走入的“容器”。《走廊II》（2017）是一个15.5米长的通道，其外观模拟了站立着的人体形状。观众可以从开口的一头走入，经历一场黑暗与未知的旅程。“你的身体挡住了光线，你走入自己的阴影，”艺术家介绍说，“这将是一段漫长的旅程，你所面对的只有自己，有些人也许无法走完。”

《走廊》（2017）

《呼吸的房间IV [RIO]》则是另一种截然不同的体验。艺术家用荧光的框架构建了三维立体的环境，观众可以在黑暗的时候走入其中，与其互动。当视觉受到限制，其他感官会变得敏锐，你会专注于周边的声音、旁人的移动。当耀眼的灯光亮起，你几乎看不清任何东西，待到眼睛习惯了光亮，你才会重新看清所有的细节，身边的彼此。

《呼吸的房间Ⅳ [RIO]》（2012）

此外，展览中还有四件悬浮雕塑作品（2008-2012），看上去就像悬浮于空间中的绘画。它们都源自于一个身体的形状，不断散逸变化，仿佛是模拟了一具身体所环绕的能量、周边的场域，在此，身体成为一个开放的系统，而观众可以走近体会这种状态。

《感知材料XXXVI》（2008），“安东尼·葛姆雷：静止中移动”展览现场

绘画一直是艺术家创作的核心部分，本次展览也是首次艺术家尝试将其画作和雕塑一通展示，展览中涵盖了艺术家从1981至2016年间所创作的大量纸上作品。观众可以从中了解到艺术家创作的不同维度。

“安东尼·葛姆雷：静止中移动”展览现场

“安东尼·葛姆雷：静止中移动”展览现场

安东尼·葛姆雷出生于1950年代，成长于1960年代，年轻时候是一个嬉皮士，直到一次印度旅行彻底改变了他的人生轨迹。在龙美术馆的演讲厅里，他邀请听众一起参与冥想，感受空间中将彼此联系在一起的能量传达。他也欢迎参观展览的观众在展厅里自在躺下，看着天花板上悬下的雕塑，和身边展品互动，以自己的方式去体会展览。“当你进入我的作品，我所说的都不再重要。第一手的体验是最重要的。”

“博物馆曾经是珍宝的汇聚之地，而今，我希望艺术是可能性的开放空间。我不希望自己的作品高高在上，我希望它们能够提供一个契机，在这里，人们可以跳脱日常生活，更好了解自己。”艺术家如是说。

安东尼·葛姆雷

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专访艺术家20年挚友、伦敦金匠学院教授

理查德·诺贝尔：他希望观众用身体来探索空间

澎湃新闻：安东尼·葛姆雷作品中最重要的特质是什么？

诺贝尔：我觉得最重要的一点是他并不试图告诉观众应该怎么想。他提供一个环境，观众可以自己去思考他的雕塑有什么意义。他给予人们机会去建构自己的意义，关于作品，也关于自身与作品的关系。事实上，他将雕塑理解为一种人们寄居的空间。

澎湃新闻：这种特质有没有在展览的作品中反映出来？

诺贝尔：他的作品有两个类型。一种是身体形式，就是根据他自己的身体塑造的雕塑。还有一种是容器，就是你可以进入的空间。《临界物质II》是第一种类型，在龙美术馆前两个展厅里，这些身体以杂乱的方式堆叠在一起，亦或排成一列，其他身体遍布空间，抵着墙壁、倒在地上、从天花板悬挂下来……进入展厅，你的第一个感受是，真美。紧接着你会问，为什么？你得试着理解，你会与人讨论，但没有正确答案。《走廊II》属于第二种类型，它是人形的悠长容器，非常黑暗。当你走入自己的阴影，你会开始产生疑问，为什么我在这里，终点是什么。我想你会有不舒服的感觉。就仿佛在那一刻，你与世界隔绝，体验到了孤身一人。而在《呼吸的房间IV [RIO]》中，当灯光亮起，一切会变得非常晃眼，灯灭时，你只能看到荧光色的结构，就像是空间之中3D的素描。

澎湃新闻：艺术家本人真的一动不动地将自己翻模做出了这些雕塑吗？

诺贝尔：《临界物质II》中有12种不同的姿态。每一件的模具，安东尼都是以自己的身体制作模具，他将石膏涂抹在身上，一动不动，等待一两个小时，他所体验的是完全的黑暗。等到石膏成型，别人把石膏切开，才将他释放出来。这成为他的雕塑的基础，紧接着他会使用铁、铜等金属铸造成型。因此，他的雕塑，实际上是他身体的内部，而非身体的外部。

澎湃新闻：也许这就是为什么你在公共空间看到他的作品，会被感动。在制作的过程中，仿佛是他身体内部的一些能量被保留了下来。

诺贝尔：是的，我觉得它确实感人，其中有一种脆弱性。你知道，他并没有完全掌控这个过程，会有其他人实施，而他必须信任他人。这些雕塑的动作很简单，但却是狠普遍的，低头、抬头、躺下、蜷缩……在表面上没有什么个性化的特质，很容易让人们感同身受，将自己和作品联系在一起。

澎湃新闻：安东尼邀请观众在展厅里躺下来，望着垂吊下来的身体，或是与雕塑互动。你怎么看这样的邀约？

诺贝尔：他希望观众用身体来探索空间，不仅是以习以为常的角度看待空间，也应该去思考身体和空间的关系。