中国音乐剧发展：不是红海不是蓝海，还只是湖泊

【编者按】“上海之春”国际音乐节发展到第33届，作为其中一个板块，“音乐剧发展论坛”今年也举办至第五年。4月23日，由文化广场承办的“上海之春”音乐剧发展论坛举行，中、奥、美、韩、德等国160余名音乐剧从业人员和专家学者与会，以“音乐剧原创力量的挖掘与汇聚”为主题，为音乐剧在中国的本土化发展和市场化运作建言。

文化广场副总经理费元洪亦以“赢在专业，输在视野——音乐剧在中国当下的抉择”为题，就中国音乐剧发展的现状和问题发言，引人共鸣和深省。

西方的夕阳，无法照亮东方的早晨

今天我的题目说到了音乐剧的抉择，似乎中国音乐剧到了生死存亡的关头，其实没那么危急。但我的确感到，剧场与表演这个古老行业，正在面临深刻而重大的变革。变革速度之快，影响之深，超出了很多人的想象力。

中国有独一无二的生活形态和消费习惯，中国音乐剧行业的发展环境，任何国家都无法类比。我们听了很多嘉宾的想法，但都要落实到中国现状，在当下的环境中独立思考。

比如：西方音乐剧（百老汇和伦敦西区）都是通过商业化来运营的，中国音乐剧是否应该同样走商业化道路？我们有和西方类似的产业基础吗？我们没有音乐剧传统，可能还不如交响、芭蕾和歌剧，那么多人前仆后继做音乐剧，95%以上做不到以商业化的方式来运作。

再比如：我们一直试图跟随欧洲各国、日本、韩国的步伐，走音乐剧本土化的发展道路。因为他们都走成功了。欧洲三十年前就开始做《猫》和《剧院魅影》，但我们现在面临的世界格局环境完全不同，互联网被全球化普及，虚拟科技日新月异，这些局面，韩国、日本、欧洲都没碰到，中国直接面临了。这种大环境下我们按原来的路走，有没有可能成功？

另外，中国各大城市都在以惊人的速度建造大型剧场，演艺内容上，也在大力学习、操练、借鉴或引进西方经典音乐剧，以更好地填充硬件。但很多音乐剧作品的社会背景已经变化，国外一些经典已经不适应中国现状。西方的“夕阳”未见得能照亮东方的“早晨”。

我们的演艺内容是否还能跟上新时代的发展？是否有可能在中国人进剧场的习惯还没建立之前，剧场业态即被跨越掉？很多经典作品，是否会被未来的年轻观众“用脚投票”淘汰掉？

看看当今90后、00后，科技让他们的生活方式产生翻天覆地的变化。就在前两天，马云正式发布了虚拟现实购物，你只要戴上VR眼镜，不出家门，就能体验在商店购物的感觉，而且更便捷更海量。当新的技术革命让虚拟变得越来越真实和富有想象力后，现场演绎的整个业态，是否会发生颠覆性变革？

三十年前我们看《悲惨世界》、《剧院魅影》，那种现场的震撼，是电影和电视无法比拟的。但多年前我戴着3D眼镜看《阿凡达》时，虚拟的娱乐已逼近真实，而且在技术层面比舞台更有想象力。在如今的百老汇和伦敦西区，虚拟影像的介入已不只是舞台艺术的补充，而是成为越来越重要的部分。当虚拟变得越来越真实，戏剧这个词将被重新定义。

现在，欧洲各国的歌剧院、音乐厅基本被中老年人占据，虽然版本不断变化，但依然在演上百年前的作品。百老汇的创新空间越来越小，成本却越来越高，一部大戏的回收周期，不再是十年前的十几个星期，而是好几年。百老汇也将迎来不可避免的变革。

中国的剧场业态还很初级，音乐剧领域更比国外慢了好几拍，就直接面对着价值观和科技的变革。这些都是世界各国没有遇到的。变革给我们带来了挑战，当然也可能带来新机遇，促成跨越式的发展。

哪些地方做得还不够专业？

下面我想谈一谈，什么是专业？这是中国音乐剧当前最薄弱，也最基础的部分。

这些年，我在上海观赏了很多国外音乐剧，音响总是音质清晰，补声到位，每个小角落你都能获得较好的听觉感受。《剧院魅影》和《伊丽莎白》在文化广场演出时，他们连每一个包厢都会单独设置音响，《剧院魅影》每一个扬声器都是成对搭配，按理一个就够了。我们的音响主管分析，当两个角色相互靠近演唱时，两个音响可以保证两个话筒不会产生信号相位上的干扰，让音质呈现更好。

这种细节上我在中国音乐剧上没有看到。我们做了五年原创音乐剧展演，绝大多数音质比较混，缺乏层次感。本来中文放在旋律里就不容易听清，音响再不好，就更听不懂了。

中国音乐剧的灯光设计也是，质感相对较差，画面缺乏层次，戏剧的关联性普遍较弱。大多数灯光设计在创作初始的参与度就很低，后期给予的时间又很有限。而且，音乐剧的灯光设计要懂音乐，设计往往是跟着音乐节奏走的。我们很多原创音乐剧的灯光设计，看不出与音乐的关联。

再者，很多音乐剧不习惯以作曲家为核心展开创作。作曲很多时候像打工的，不是第一主创。本质上，音乐剧的核心是音乐，而不是故事，所以我们才会反复去看一部音乐剧。这就是音乐的魅力，它更抽象，更经得起咀嚼。作曲家必须是最早介入音乐剧创作的人，始终要居于核心地位，而不是打工的插件。

如何用音乐去讲故事，我们也不擅长。长期以来，我们用音乐抒情功能较多，用音乐来讲故事会有些不习惯，而这是音乐剧必过的一关。音乐剧的音乐应该好听，但不应该只追求好听，失去了有机统一性，甚至变成流行单曲的串烧。

还有作词，词作者是否通音律非常重要。中文的四声音调，让音乐剧的歌词创作成了带着镣铐的舞蹈，弄不好，就会把“出生”听成“畜生”，把“公主”听成“拱猪”。在中国，似乎文字比音乐先行的居多。我个人以为，先作曲再填词会更好，应该给音乐更高的自由度。

再看音乐剧教育，我们的学生包括老师，非常缺乏表演的经验和机会，学习多，实践少，很难快速成长。我们很多音乐剧老师，没有做到因材施教。歌剧的演唱和表演是有标准和规范的，音乐剧更强调个性。每个孩子的外在形态、内在状态、嗓音特点都不同，更需因材施教，而不是掰成一个模子。

我们做过三届《极致百老汇》，每年会甄选10位英国演员、20位中国音乐剧学生。不说演唱和表演的差距，我们在“精气神”上就差很多。中国演员演了几场他就会松下来，你会感觉他很累，英国演员也会累，但一上台，马上进入职业状态，腰是挺的，注意力是集中的。

音乐剧是实践的学科。在国外，音乐剧演员的成才之路，并不一定进行学院式的训练，更重要的是不断在登台、不断练习中成长。文化广场今年会和上海音乐学院联合出品音乐剧《春之觉醒》，我们希望给学生和老师们提供更多实践的机会。

从台前说到后台。我留意到国外演员演出结束，会把化妆室整理干净，服装、化妆、道具都摆放到位，会考虑明天谁来接班，很有职业状态。中国很多演员只演戏，不会管这些零碎的事，这不太适合系统性的常演，形不成有机的整体，缺乏团队意识。如果个人的工作每天都欠缺一些，剧团日积月累就会出问题，很难保证商业化常演的品质。

再比如剧本翻译，除了准确，中文剧本也要考虑音乐的节奏，考虑押韵，让中文字幕和外文歌词的节奏感吻合，现场观众才会感到步调一致。

打字幕也有窍门。演唱速度快、信息量大时，字幕内容要精简。速度慢，信息量小，抒情多时，字幕就要丰富，让人感觉到文字的魅力。好的剧本翻译和字幕操作，应让观众忘记它的存在，而不是感觉被干扰。

再比如说评论，国外评论可以影响一部剧目的成败，中国的评论，几乎可以被忽视。评论人保持独立性，是评论权威的关键，但中国很少有乐评人、剧评人自己买票看戏，很难发出真实的声音。正常的音乐剧业态，应该是1%的专业评论，带着99%的非专业人士参与。我们的评论很多时候是与观众是脱节的，甚至成为行业内的自HIGH现象。

对从业人员来说，长期免费看戏，伤害也非常大。你选戏、看戏的判断力会出现问题，包括票价、营销、推广，这都需要良好的判断力。判断力从哪里来？从自己掏钱买票来。

我们缺乏工匠精神，各行各业都有这个状况。按历史学家黄仁宇的说法，这是中国传统文化中缺乏“数字”管理的弊病，很多事“差不多”和“想当然”，缺乏严谨的工匠精神。赢在专业，这一关我们必须补上。

可以放演艺的卫星，但无法持续发展

除了专业，视野也非常重要。马云说“输在格局，赢在细节”，视野教会我们做对的事情，但我们常常还没到细节就输了，因为走错了道路，走错了方向。

我们必须清醒地认识到，中国音乐剧发展，还是非常早期和小众的行业，要想在全国范围普及音乐剧，不只是一代人的任务。像文化广场，连续几年引进世界经典音乐剧，观众和票房全国领先，但依然不能说已形成非常稳定的观众群，原创音乐剧在销售上依然困难。这说明原创音乐剧还缺乏公信力和卖点，也说明进剧场还不是国人的生活习惯，没有英美国家的积累。

很多问题不是出在我们内部，是外部。

第一，产业结构不合理，挤压了文化行业的空间。简单说就是文化行业的产值，离成为支柱性部门有相当距离。文化行业中的音乐剧，更是小众的行业。池子小，自然鱼也就少了，行业的运行成本无法薄利多销。

第二，多数人可支配收入低。我们的收入大量给了教育、医疗，特别是房产，音乐剧又属于奢侈品，你看一个戏，比较好的座位就是五六百元以上。我们要放弃看十几部电影的机会看一部音乐剧，确实要付出很大勇气。

第三，剧场消费习惯尚未形成。中国人习惯饭局、捏脚、卡拉ok，分到剧场的时间就少了。西方音乐剧火热，是因为他们有进剧场的习惯，票价也不贵。这是一种生活习惯。一旦养成，就是巨大的产业。

第四，演艺行业的负担过重。我们的税费、票代费、场租费，对比世界都是非常高的，这“三座大山”对行业造成了巨大压力。我们不得不走上一条高风险，完全靠商业来支持的道路。

最后，我们身处娱乐化的时代，现场娱乐被稀释。我们现在有太多选择，电影、电视、游戏、VR日新月异，你还会去选音乐剧吗？

这些外因合在一起，让整个产业的基础环境并不乐观。我们可以突然放一颗演艺的卫星，但无法持续地循环发展。所以说，现在的音乐剧市场“既非红海，也非蓝海，还只是湖泊”，是小众和早期的状态。

音乐剧行业如今面对的状况，如何解决是一大课题。路径有很多，恐怕最重要的，是政府要逐渐改变以往对文化行业的支持模式和支持态度，如同韩国这三十年，以促进产业结构转型和提升国家软实力的战略高度，来看待演艺行业——降低产业的中游（剧场）与下游（市场）的压力，释放上游（创作与制作）的空间，在“三座大山”上为行业减负，使其回归到合理的相互支持的良性体系之中。

（本文整理自费元洪在2016“上海之春”音乐剧发展论坛上的发言，内容有删减。）