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短短几分钟，动画大师就能变出一个新世界
因为个体审美趣味迥异，喜欢动画短片的人会因为“我单纯不喜欢这种画风”、“只要概念牛逼就好”、“画得很好但是太低幼”、“完全看不懂它在说什么”之类的问题发生争执。但是，万千短片中，总有你的菜。
奥斯卡奖刚刚建立那会儿，最佳动画短片奖基本是迪士尼的囊中物，直到约瑟夫·巴伯拉与威廉·汉纳让他们的《猫和老鼠》在传奇初生的“汉纳—巴伯拉时代”（1940-1958），卷走7座奖杯。
《老鼠约翰》（1952年）中，他俩的音乐战斗（合作）场所更大，从小约翰·斯特劳斯的家一直弹到皇宫，Tom照例手脚并用地把《蓝色多瑙河》、《无穷动波尔卡》、《闲聊波尔卡》弹得舒畅惬意，而Jerry则中邪般爱上随乐起舞。
2006年的《彼得与狼》，再次以动物行径与不同器乐对位的方式，成功展示普罗柯菲耶夫这部交响童话。
很多人不喜欢皮克斯以领先的CG技术做出来的三维动画，对他们来说，《纸人》（2012年）或许是个折衷选择。约翰·凯世首次当导演，把CG三维动画做出手绘二维黑白动画的感觉。这种新颖的形式把一段老套的爱情故事变得浪漫有趣。
动画打动人心未必靠的是大厂牌砸钱，动画终归是流动的图画，具有独特美感的真诚作品会出挑。喜欢把经典文学改编成动画的俄罗斯导演亚历山大·佩特洛夫，一个人以指尖为画笔，蘸着油彩，在玻璃板上涂抹出每一帧，在不同玻璃层面上制作背景和人物动物，这样画着拍着做了近三年，就做成了《老人与海》（1999年）。
海明威这个家喻户晓的故事，没有悬念，没有意外，画面有几分水彩画的灵动感，精细到做出水波晃动、色泽多变，水影映照到船身和人身，更不用讲人鱼搏斗的精彩戏了。佩特洛夫运动的指尖所蕴含的情感，完全渗透进油彩，他为当代手绘动画留下独门玻璃油彩画种。
匈牙利人法兰斯·罗夫茨的《苍蝇》（1981年）是土黄底色的单色线动画，他以苍蝇为主观视角，以令人震惊的一镜到底，拍摄了苍蝇从户外飞入室内、被捕杀并做成标本的过程。这是一部实体拍摄也很难完成的三分钟妙作。
除了画面独特，动画的精神内涵也能触动人心。加拿大导演弗雷德里克·贝克的《种树的牧羊人》（1987年），画面非常朴素，似彩铅描绘，这种风格正契合一个牧羊人以一己之力造出一片森林的故事。
故事来自法国作家Jean Giono1953年的同名小说，牧羊人平安喜乐的性情、不求闻达的奉献精神、细致踏实的务实行为，都像极了耶稣基督，与他对比的，是不远处的村庄里为寸土寸金争战的罪人们。即便如此，他种植的所谓“自然出现的森林”，不仅改变了这片连战乱都难以触及的荒凉之地，而且为此地带来了人类和睦相处的繁荣景象。
根据同名绘本改编的《神奇飞书》（2011年）用《绿野仙踪》般的开场，讲述了书籍与写书人的关系，知识传承对人类的意义，看完不禁会自问，想不想用一世孤独换一世阅读时光？
质朴温情题材也很受短片爱好者欢迎，所谓治愈系作品。
荷兰导演迈克尔·度德威特的《父与女》（2001年）是几度大热的名作，在手风琴、钢琴等乐器演奏的俄罗斯抒情乐曲《多瑙河之波》陪伴下，女儿常常骑车去河畔守望再也没有回来的爸爸。
加藤久仁生的《回忆积木小屋》（2008年）连音乐都很日系小清新，暖色调画面讲述的却是沧海桑田过后的人生寂寞。环境恶化，海平面上升，老人只能一层层加盖积木屋，为捡烟斗潜入水下，每深入一层，睹物思人，记忆也向前推移，直到在最底层想起与老伴青梅竹马的快乐时光……“我依然住在我们合盖的房子里。”
有些动画导演有令人称奇的创意，只要有一个概念，他就能从魔术帽里揪出兔子来。波兰导演萨比格尼·瑞比克金斯基的真人动画《探戈》（1981年）就是这种你看完会一时惊讶得说不出话来的短片。
故事的场景就是一间屋子，男孩跟着球翻窗户进屋，再带球出去，他不断重复这一动作，后面出现抱婴儿的女人、小偷、放东西的男人、做作业的女孩、修灯触电摔倒的人、穿衣服的裸女、酒鬼、做爱的男女……
每个人都在平行空间里互不相干地做重复动作，高峰期有20多人共处一室，接着，一个个悄然消失。倒数第二消失的是捡球的男孩，他的球被躺在床上祈祷的老太太捡到——看似没有关联的人竟产生了关联。而这间屋又好像集中呈现了循环发生着的人类生活史，而这一切在探戈舞曲节奏下居然显得和谐有序。
讽刺人类贪欲的《平衡》（1989年）、隐喻探寻真理之艰辛的《追寻》（2001年）、笑看人生赢家的《苍蝇一分钟的生命》（2008年），其创意都能让观者产生微妙的思维快感。
有创意的艺术家中，不乏风格和概念的先锋者。克里斯·兰德雷斯的致敬传记短片《瑞恩》（2004年），向世界重新介绍了这位启发了一代动画人却如流星般陨落的加拿大昔日大师雷恩·拉金，并以同病相怜的目光看待他，毕竟“饿倒在街头”是所有文艺从业人士畏惧的恶梦。
瑞恩的《牧神午后》（1965年）、《行走》（1969年）、《街头音乐》（1972）等作品仿佛是专为诠释音乐而绘制的充满新奇想象的图画。
以《街头音乐》为例，片中的物体不断从一个形态转化为你难以预料的另一个形态，比如一只单色线条猫渐变到彩色蝙蝠再渐变到红身紫眼怪猴；当一只鹰两秒变成人，你已经忘了它最初只是一条形态不规则的封闭线圈……
这种来源于迷幻体验的动图效果，可以在很多后世作品中看到关联，比如长片《迷墙》（1982年）里的动画片段，还有琼·格勒兹的《蒙娜丽莎下楼梯》（1992年）。格勒兹直接在摄影机下用颜料创作，以类似《街头音乐》的渐变方式在7分钟内展现了据说有30多位世界名画家的作品。
下面介绍两位风格cult的动画大师。
一位是捷克的杨·史云梅耶，传说中你要么视为天才、要么无法接受的动画人。
以《对话的维度》（1982年）为例，第一部分中，以你能想到的任何事物，食物、刀具、螺丝、书本等碎块构成的三个“人”，彼此吞噬，吐出，残渣又重组为人，直到分不出你我的纤维细化成泥，泥人们又继续自相吞噬；第二部分，一对泥人男女，相爱，融合，分开，多出来的泥块成为彼此用来攻击对方的武器。
第三部分，一模一样的两个泥人头，先是各自吐出物体，另一方满足需求，比如一方吐牙刷，另一方抹牙膏，随后次序变乱，卷笔刀削皮鞋，再后来，面包对打，黄油对抹，最终两败具伤。
内涵呢？尽管史云梅耶作品中的政治批判意味并不少见，但民族、爱情、家庭等世间事，大抵如此。
另一位也是捷克导演，吉利·巴塔，他或许受过史云梅耶的影响，并把木偶剧引向暗黑方向。《吹笛子的男人》（1985年）引入的老鼠活体画面，把这个流传已久的惩戒童话发展到噩梦的地步，却吸引了审美重口的观众。
《被遗忘的俱乐部》（1989年）里，被遗弃的破旧人体模特们，每日重复着规律的人性生活，他们有的做饭，有的拨破竖琴，有的洗澡，最好玩的是有个男人还偷窥隔壁的美女……而这生活又是脆弱的，一只外来野猫都能打破这循环，更不用讲新送来的新潮模特们开狂欢派对了，两派恶战后，竟重组上对方身上的元素，彼此共存下去。这里对市井生活、新旧交替的描摹和讽喻非常到位。
《失去手套的世界》（1982年）让运动的手套们表演了一把卓别林、布努艾尔、费里尼、斯皮尔伯格等人代表的电影史，相当精彩。
看了这么多不同国家的优质动画短片，请不要忘记我们国产老动画片也有过辉煌时代。其中特伟团队的水墨动画《牧笛》（1963年）和《山水情》（1988年）代表着国产动画尤其是水墨动画的最高水平。
《山水情》的人物、场景设定是国画大师吴山明和卓鹤君做的，音乐则是优美隽永的古琴民乐，气质飘逸清新如诗，整体是格调很高的艺术作品。渔家少年与老琴师之间的故事，散发着中国古文人的高洁情操之美。于壮美山川之间悟得琴技真谛的少年，在悬崖峭壁上以琴声送别师傅的场景，让短片在人心最愉悦最满足的时分完结。
除特伟老先生，此片还有刚刚去世的马克宣担当导演，他与徐景达（阿达）共同执导的《三个和尚》（1981年）、《超级肥皂》（1986年）、《新装的门铃》（1986年），也都是内涵兼具讽刺与幽默，画风兼具简约与明快的短片佳作。老一辈动画师皆已西去，《山水情》正是送别中国动画最美时代的挽歌。
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