92岁盖里改建了费城艺术博物馆：除了安静，还有什么

近日，美国费城艺术博物馆在完成第一阶段的改建后向公众开放。此次改建由著名建筑师、普利兹克奖得主弗兰克·盖里操刀，盖里一改往日的“招摇”，对建筑内部进行了不动声色的改建。此外，博物馆的两场临时展与一系列常设展也同时展开。在《纽约时报》艺评员看来，费城艺术博物馆在新展中关注本土艺术，但过于强调殖民与奴隶制历史，而忽视了其在宏大的全球网络中的意义。

费城艺术博物馆 图：Hannah Yoon for The New York Times

你知道有什么比投入巨资改建地标更加时髦的吗？投入巨资而不动声色。

现年92岁的加拿大裔美国建筑师弗兰克·盖里（Frank Gehry）是使用钛金属材料的大师。当其他的博物馆与文化机构找到盖里时，他交出了具有创造性而看起来不免招摇的建筑：例如毕尔巴鄂古根海姆博物馆的金属曲线、洛杉矶的迪士尼音乐大厅，或是巴黎路易·威登基金会的“玻璃风帆”。但是在费城，当盖里接到重构这座美国最古老、最重要的博物馆之一的任务时，他将不锈钢和动力学软件抛在了脑后。

距离费城艺术博物馆邀请盖里对于其位于本杰明·富兰克林公园大道上的原址进行扩建和重修过去了整整15年，目前第一阶段的工作已经完成——而且谨小慎微。盖里的“核心工程”对其内部进行了清理和重塑，增加了2万平方英尺的展厅空间，一个全新的入口，以及在后疫情时代可能会举行表演和聚集活动的中庭。目前项目已耗费2.33亿美元，而这只是第一阶段；接下来将是新的地下展厅，以及穿过东部阶梯的窗户。

蓝菲斯特大厅（Lenfest Hall） 图：Hannah Yoon for The New York Times

你将首先通过西入口看到盖里对建筑低调的介入。如今这里有了更富吸引力的玻璃门和轮椅通道的斜坡。名为蓝菲斯特大厅（Lenfest Hall）的西大厅被赋予了更大的窗户，而去除了由博物馆之前的建筑师罗伯特·文丘里（Robert Venturi）和丹尼斯·斯科特·布朗（Denise Scott Brown）设计的后现代风格售票亭。

大厅的西墙和原有的礼堂被拆除，取而代之的是一个新的中庭，外部使用的蜜色石灰岩与原先建筑师在1928年时所用的一致。在这里你会看到盖里对于华丽的唯一让步：皮拉内西（Piranesi）式的蜿蜒阶梯通向地下室层，与之相连的圆顶和步道又让其黯然失色。

左：有圆顶的步道 右：皮拉内西（Piranesi）式的蜿蜒阶梯 图：Steve Hall, via Philadelphia Museum of Art

圣·高登斯（Saint-Gaudens）的镀金狄安娜像依然俯视着主楼梯，而杜尚的《已经给出》（Étant Donnés）仍然邀请“窥视者”走向那扇木门。汤姆·艾金斯（Thomas Eakins）描绘血腥场面的大作《格罗斯诊所》（The Gross Clinic）也搬到了这里——博物馆与费城美术学院共同拥有这幅作品。现代侧厅的圆形大厅依然展出塞尚所画的最后一幅、也是最大的一幅《沐浴者》（Bathers）。

圣·高登斯（Saint-Gaudens）的镀金狄安娜像 图：Hannah Yoon for The New York Times

目前，费城艺术博物馆正在举行两场临时展览。其中“森加·能古蒂：拓扑”（Senga Nengudi: Topologies）是对于这位美国后极简主义雕塑与表演最重要的人物之一的研究。森加·能古蒂曾在洛杉矶与东京求学，早期曾用装满液体的塑料展开实验，1975年起，能古蒂开始用旧的连裤袜创作雕塑，有时会在内部用金属丝进行塑形。这些雕塑时而延伸至天花板，通往它们的界限，时而因为沙子的重量而下沉，让人想到胸部、石头或者肿块。

森加·能古蒂作品，展览现场 图：Philadelphia Museum of Art; Joseph Hu

这些脆弱的临时雕塑很少能够大规模地被看到，光是它们本身就足以让这场展览成为一件大事。作品的影响还呈现于相关表演中，艺术家玛伦·哈辛格（Maren Hassinger）将自己的身体缠绕在弹性织物中，仿佛雕塑是另一个舞者，破碎但重获生气。在这场展览中，你能看到早期的影像记录，最近哈辛格与能古蒂雕塑共舞的录像，还有能古蒂和她的同伴在纽约一间黑人画廊所进行的表演。

群展“新勇气”中的行为艺术作品《花园：看不见的树枝》Hannah Yoon for The New York Times

在新的临时展览展厅中，群展“新勇气”（New Grit）呈现25位来自费城或在此生活的艺术家作品。这些作品的质量层次不齐，而且似乎有些过于迫切想要成为话题。不过，本土艺术家对于一场开馆展而言是合适的交点。除了那些耳熟能详的名字，大卫·哈特（David Hartt）无疑是展览中最值得一看的艺术家，他新近的委任作品《历史（暮光）》（The Histories (Crépuscule)）将挂毯和影像结合，将牙买加景象和纽芬兰浮冰变成了一场跨媒体与跨大陆的漫游。

最让人惊喜的是新美洲展厅，用来展示从殖民时代到美国内战时期的作品。彩色的展墙衬托了美术馆收藏的查尔斯·威尔森·皮尔（Charles Willson Peale）与其他美国画家作品。这里还丰富地陈列了西班牙殖民艺术，以及费城黑人钟表匠、瓷器制作者和银匠的创作。

新美洲展厅 Hannah Yoon for The New York Times

在展览的讲解上，还有可以提升的空间。新的展墙文本强调了黑人与原住民在宾夕法尼亚社会的存在，并突出了这一地区的奴隶制历史。但是它过于关注个人生平，而忽视了作品本身，并且一味地突出任何与奴隶制有联系的内容。例如，一只18世纪的银碗所附的文字没有告诉我们关于这只碗或是银市场的信息，只是讲述了银匠和被他奴役的工匠的故事，并且得出了这可能出自工匠之手的猜测。这当然是有可能的。但是谁制作了这只碗并不如孕育了这种创造的政治和经济体系要紧，也不如将其与其他时代和文化联系起来的美学形式重要。在这里，我们获取的只是用新的说教语言讲述的旧故事，而将这种语言过度地应用于美国历史是缺乏远见的。

新美洲展厅 Hannah Yoon for The New York Times

费城艺术博物馆，乃至所有的博物馆，需要花费更多的时间去想办法将这些展品置于新的关系中，而不是在它们后面加上星号，标注出孰好孰坏。这并非不可能。我们要做的只是将物品和图像不只视为传记记录，而是作为宏大的全球性的图像和思想网络的载体。当我们说到被殖民时代遗产玷污的机构时，这些全球性的博物馆在“罪恶者名单”排名很高，但是，在正确的“修建”之下，没有人知道会产生什么新的方式和视野。

（本文编译自《纽约时报》，有部分删节）